Театр и церковь во Франции в первой половине XVII в. Декорации театра в XVII веке Французский драматург поэт представитель классицизма 17 века
100 р бонус за первый заказ
Выберите тип работы Дипломная работа Курсовая работа Реферат Магистерская диссертация Отчёт по практике Статья Доклад Рецензия Контрольная работа Монография Решение задач Бизнес-план Ответы на вопросы Творческая работа Эссе Чертёж Сочинения Перевод Презентации Набор текста Другое Повышение уникальности текста Кандидатская диссертация Лабораторная работа Помощь on-line
Узнать цену
В 17 веке родились шедевры французской национальной литературы. Век обусловлен множеством революций, что не могло не сказаться на литературе. Характеристика фр.лит-ры:
- формы распр-я: книги, театр, представления
- салонная культура – вечера в домах знатных аристократов (самый известный салон Маркизы де Рамбуйе)
- прециозная культура («изысканная», «драгоценная», «жеманная») – высмеивал Мольер «Смешные жеманницы»
- Оноре д"Юрфе «Астрея» - самая популярная книга в ту эпоху
- Во Франции, как не в одной другой стране восторжествовал классицизм.
ü Классицизм достиг здесь своего высшего совершенства: сочетание опыта античной литературы с национальными традициями своего народа.
ü Историю фр. Классицизма делят на 2 периода:
o 1 половина века «героический»
o 2 половина века «трагический» - после «Фронды»
ü Основателем поэтики классицизма является француз Франсуа Малерб (1555-1628), проведший реформу французского языка и стиха и разработавший поэтические каноны.
ü Классицизм во Франции 17 столетия стал официальным художественным методом.
ü Классицисты поощрялись государством, им выплачивали пенсии. Ришелье (первый министр короля) требовал от искусства строжайшей дисциплины слова:
o Отметался принцип художественного вдохновения.
o Франция создавала нацию, т. е. ей нужен общепонятный единый язык. Язык несколько побледнел, утратил свои яркие самобытные краски. Но приобрёл силу общенационального звучания .
ü Второй причинной обусловившей расцвет во Франции классицизма, является материалистическая основа научных трудов Декарта, накладывала на всю их философскую мысль печать трезвости.
Рационализм стал главенствующим качеством классицистического искусства. Искали истину в разуме. Мысль, а не эмоция стала господствующим элементом искусства (заимствовали у Аристотеля). Классицизм отражал большой прогресс в деле укрепления нац. единства, отражал прогрессивную роль абсолютной монархии в формировании нации. Классицизм породил Корнеля, Расина и Мольера.
Краеугольным камнем теории классицизма является учение о вечности, абсолютности идеала прекрасного. Необходимость подражания. Классицизм должен обладать учением о воспитательной роли искусства.
Театр.
17 век для Франции воистину век театра. Во второй половине столетия театр стал не только ярким литературным, но и важным социальным явлением.
- Начальный период развития французского театра отмечен вполне отчётливым вкусом к барокко и преобладанием барочной драматическая пастораль и трагикомедией.
- Появляется должность актера: придворные и бродяги, актеры импровизировали
- 3 стационарных помещения:
ü Бургундский отель – особняк, принадлеж.Бургундскому графу (Жан Расин)
ü Марэ – на заболоч.землях р.Сены
ü Самый важный – Пале Рояль «Королевский дворец». Единственный сохр. До наших дней.
- Самые дешевые билеты – в партере (стоячие), самые дорогие – на сцене (традиция с постановки «Сида» до сер. 18 в.)
- При Генрихе IV с 12 часов спектакль, при Людовике с 4-5
- Считалось, что актеры без души и их отлучали от церкви, не хоронили по христианскому обычаю
- Театрализация жизни привела к переоценке актеров. Профессия актеров начинает дифференцироваться
- Создан романтичный вид (пастухи и пастушки).
- Часто сцены носили барочно-натуралистический жестокий кровавый характер.
- Драмы стремились эмоционально потрясти воображение зрителя. Часто на сцену выводили диких животных что является характерной чертой барочной зрелищности .
- Самый популярный драматург Александр Арди .Арди показывал убийства на сцене,он рисовал гиперболические напряженные страсти.Это часто выражалось в заглавиях (смерть ахила и т.д)
1630х годов во Франции набирает силу классицистическая тенденция.Они опирались на правило Аристотеля.Качественное изменение драматургии произойдет в творчестве Корнеля.
Пьер Корнель(1606 – 1684)
- Родился в Руане в семье адвоката.
- окончил Иезуитский колледж, откуда вынес хорошее знание латыни, римской истории и литературы, получил должность адвоката.
- Первыми литературными опытами Корнеля были мелкие галантные стихи, эпиграммы и другие незначительные поэтические произведения.
- В начале творческого пути писал комедии :
ü носили нравоописательный характер .
ü Противопоставлял их трагикомедиям.
ü Сюжеты условные, но комедии богаты наблюдениями за нравами.
ü Характеры типичные .
ü Карьера Корнеля началась с комедии «Мелита» (1629). (Однажды, как рассказывает предание, один из друзей Корнеля познакомил его со своей возлюбленной, но она предпочла Пьера своему прежнему воздыхателю. Эта история побудила Корнеля написать комедию. Так появилась его «Мелита») .Комедия прошла успешно. Успех комедии вдохновил в 1631-1634-е года на создание ещё нескольких произведений в данном жанре.
ü Комедии Корнеля-это не смешные пьесы , эти произведения связаны с приятным - «весёлого романтичного».
ü Комедия устремлена на большую ясность, упорядоченность и простоту комедийного конфликта.
ü В комедии «Комическая иллюзия» - смешение жанров от комедии до трагедии, барокко.
ü Драматические сюжеты во многих комедиях заглушали комедийное начало.
- Прославился трагедиями. Творчество Корнеля складывалось в атмосфере напряженной политической борьбы 1620-1640-х годов, когда французский абсолютизм стремился к утверждению своего авторитета , когда кардинал Ришелье, всесильный министр при слабом короле, беспощадно расправлялся с любыми проявлениями своеволия и оппозиции. Трагедия Корнеля выросла на этой основе, и он сохранил верность избранному им кругу проблем на всем протяжении своей творческой жизни.
ü 23 пьесы относят к героическим трагедиям, отмечая, что трагическое начало приглушенно.
ü Он первый связал трагедию с борьбой за ценности, предписываемые общественным порядком.
ü Он создал тип героико-политической трагедии .
ü Настоящая слава к нему пришла в 1637 году. После премьеры пьесы «Сид». Оно закрепилось в истории с определением, как героическая классицистическая трагедия. Корнель упростил и сконцентрировал действие, акцентировал своё внимание не на внешних перипетиях, а на нравственно-психологическом конфликте , на чувствах и переживаниях персонажей . Фабула произведения взята из романической истории средневековой Испании . Обычно конфликт классицистической трагедии обозначают как конфликт чувства и долга. Любовь корнелевских героев – это всегда разумная страсть . Оттого любовь и честь должны совпадать, и они совпадают. Выбор - высшее мгновение для трагического героя Корнеля .
- Своеобразие корнелевской трагедии – в герое . Он не является жертвой богов или судьбы , его отличает «величие смелости», он обладает стойкостью, способной вызвать восхищение. Герои способны на самопожертвование, они могут преодолеть любые испытания во имя возвышенных принципов и общественного блага. Воспроизводя драматические конфликты, с которыми сталкиваются и которые призваны разрешать его герои, Корнель обнажал глубокие жизненные противоречия.
- С 1633 года входил в общество пяти авторов. Его драматические сочинения связаны не столько с его биографией. Сколько с его личностью - независимой и исполненной достоинства, с духом времени, ещё нуждающегося в героизме.
- Помимо Сида Корнели написал ещё трагедии: «Гораций», «Цинна или милосердие Августа», «Полиевкт», «Никомед».
- В 1644-57 гг. обостряется противоречие в его творчестве: большое разочарование внутри династии Людовика 14 из-за эгоистичности; осознание никчемности чел-й жизни, возникает тема бессилия человека над его судьбой. 60-80-е гг.: жесткая критика деспотии.
- В 1660-70-х годах историки отмечают упадок популярности и угасания Корнеля, как драматического гения. В это время героический этап становление французского абсолютистского государства ушёл в прошлое.
Драматические принципы Корнеля .
ü Нарушал иногда правило трех единств (времени, действия и места). Говорил, что отступает не потому, что не знает их. Иногда оспаривал их.
ü Все трагедии построены на использовании исторических фактов.
ü Психологические конфликты, история чувств, перипетии любви в его трагедии отходили на второй план. Основные его персонажи всегда короли или выдающиеся героические личности.
ü Основной драматургический конфликт К. – конфликт рассудка и чувства, воли и влечения, долга и страсти.
1. Театр французского классицизма. Общая характеристика.
2. Творчество Корнеля, Расина, Мольера.
3. Театр эпохи Просвещения. Общая характеристика.
4. Английский театр ХУ111в.
5. Французский театр Просвещения. Бомарше.
6. Итальянский театр. Гоцци и Гольдони.
7. Театр немецкого Просвещения. Лессинг, Гете, Шиллер.
ВВЕДЕНИЕ
ТЕАТР французского классицизма ко второй половине XVII в. занял главенствующее место в европейском театральном искусстве. Утверждение классицизма связано с созданием трагедий Корнеля и Расина и «высокой комедии» Мольера и по времени совпало с кризисом, а затем и полным упадком театра ренессансного реализма.
Феодально-католическая реакция в Италии и Испании лишила театральное искусство этих стран его былого значения, а пуританская революция в Англии специальным законом запретила все виды театральных зрелищ.
Стабилизация общественной жизни, связанная с установлением системы абсолютизма, начинается во Франции со времени Генриха IV и получает свою окончательную, устойчивую форму в годы правления Людовика XIII (1610-1643; власть в это время находилась в руках кардинала Ришелье) и Людовика XIV (1643-1715).
Эстетика классицизма была основана на принципе «облагороженной природы» и отражала стремление к идеализации действительности, отказ от воспроизведения многокрасочности реальной жизни. Важнейшим звеном, связывающим классицизм с искусством зрелого Ренессанса, было возвращение на современную сцену сильного, деятельного героя. Этот герой имел определенную жизненную цель: он должен был, исполняя долг перед государством, подчинять личные страсти разуму, который направлял его волю к соблюдению морали. Борясь за свою цель, герой служит общей идее, создает некий моральный кодекс, который и лежит в основе классицистской трагедии. Борьба за личное достоинство, за свою честь в широком аспекте совпадает с борьбой за достоинство нации, за ее свободу. Гуманистическая основа классицистского искусства была связана с социальной системой, которая объективно способствовала восстановлению и развитию общественной этики, понимаемой в широком, общенациональном плане.
Таким образом, классицистская трагедия вводила в общественное сознание и веру в идеал, и тревогу за него. Но абстрактный характер этого идеала позволял приспособить классицизм к идеологическим требованиям абсолютистского государства. В результате классицизм лишался демократизма и в его стилистике появлялись аристократические черты.
Нормой языка трагедии стала возвышенная, поэтическая речь определенного стихотворного размера (так называемый александрийский стих). Героями трагедии выступали императоры, полководцы, выдающиеся политические деятели- носители идей государственности, выразители возвышенных страстей и помыслов.
Согласно традиционной эстетике комедия в классицистском искусстве была жанром более низкого порядка, чем трагедия. Рассчитанная на изображение повседневной жизни и заурядных людей, она не имела права касаться вопросов высокой идеологии и изображать возвышенные страсти. Трагедия же не должна была затрагивать обыденную тематику и допускать в свои пределы людей низкого происхождения. Таким образом, сословная иерархия отразилась и на иерархии жанров.
Но в своем последующем развитии классицизм ознаменовался возникновением высокой комедии - наиболее демократического и жизненно достоверного жанра классицизма.
В творчестве Мольера «высокая комедия» объединила традиции народного фарса с линией гуманистической драматургии. Сила комедии Мольера была в прямом обращении к современности, в беспощадном разоблачении ее социальных уродств, в глубоком раскрытии основных противоречий времени, в создании ярких сатирических типов, воплощающих пороки современного драматургу дворянско-буржуазного общества.
Таким образом, через комедию в активную общественную борьбу вступали здравый смысл, нравственное здоровье, неиссякаемая бодрость - эти извечные силы демократических масс.
Свое наиболее полное эстетическое обоснование классицизм получил в стихотворном трактате Никола Буало «Поэтическое искусство» (1674).
Классицистская эстетика, многим обязанная теоретическим взглядам Аристотеля и Горация, носила нормативный характер: строго придерживалась деления на жанры (главными из них были трагедия и комедия), требовала соблюдения закона «трех единств». Закон единства действия запрещал малейшее отклонение сюжета от основной событийной линии; согласно закону единства времени и единства места все совершающееся в пьесе должно было укладываться в одни сутки и происходить в одном и том же месте. Условиями художественного совершенства классицистской трагедии и комедии считались целостная композиция и монолитность в характеристике героев - выразителей определенной и ярко выраженной страсти.
За поэтами-трагиками французского классицизма Корнелем и Расином вплоть до наших дней закреплено самое почетное место на сцене национального театра. Что же касается творений Мольера, то, являясь самыми излюбленными классическими комедиями на родине драматурга, они сохраняются уже триста лет и в репертуаре почти всех театров мира.
КОРНЕЛЬ
1606-1684
Пьер Корнель был создателем нового типа героической трагедии, наиболее полно выразившей гуманистические идеалы века и воплотившей эстетические нормы высокого жанра классицистской драматургии.
Трагедия Корнеля «Сид», написанная в 1636 г., ознаменовала собой важнейшую веху в истории французского театра: был найден жанр классицистской трагедии. Классицизм в области драматургии и театра отныне становится главенствующим стилевым направлением, которое подчинит своему влиянию французский театр последующего XVIII века и будет воздействовать на развитие драматического и сценического творчества других стран Европы.
Корнель родился в Руане в чиновничьей семье и получил юридическое образование, но адвокатской практикой почти не занимался. С молодых лет увлекаясь поэзией, он написал в 1629 г. лирическую комедию в стихах «Мелита», с этого знаменательного для молодого литератора события и начинается его драматургическая деятельность.
Переехав в Париж, Корнель пишет одну за другой комедии и трагикомедии, вводя в них живые картины быта и подлинный драматизм. Драматургом заинтересовывается сам Ришелье и предлагает примкнуть к группе литераторов, помогавших кардиналу осуществлять его литературные замыслы, связанные с укреплением идеологии абсолютизма. Но Корнель принадлежал к этой группе недолго: его творчество не укладывалось в рамки узких политических требований.
В 1636 г. Корнель создает трагедию «Сид», имевшую своим сюжетным источником пьесу испанского драматурга Гильена де Кастро «Юные годы Сида». В зимний сезон 1636-1637 г. в театре Маре состоялась премьера. Спектакль имел феноменальный успех.
В основе «Сида» лежит рыцарский сюжет о борьбе любви и долга. Граф Гормас нанес оскорбление старому дону Диего. Отстаивая честь своего рода, дон Диего требует, чтобы его сын Родриго отомстил за него. Родриго вызывает на дуэль и убивает графа -отца своей возлюбленной, Химены. Эта ситуация в трагедии Корнеля получила глубокое гуманистическое истолкование. Рыцарская честь из сословного чувства превратилась в символ личной, моральной и общественной доблести человека.
Осуждение «Сида» Академией повлияло на дальнейшее творчество Корнеля. Созданная им в 1640 г. трагедия «Гораций» была написана уже с точным соблюдением всех классицистских правил, а ее идея носила ярко выраженный патриотический характер.
Сюжетом трагедии послужил эпизод, взятый у Тита Ливия. Войну между Римом и Альбой должен был решить поединок между тремя братьями Горациями - лучшими гражданами Рима - и тремя братьями Куриациями - лучшими гражданами Альбы. Драматизм столкновения усиливался тем обстоятельством, что братья Горации и Куриации связаны узами дружбы и родства: супруга одного из Горациев - сестра Куриациев Сабина, а невеста одного из Куриациев - сестра Горациев Камилла. В ходе боя первыми пали двое Горациев, а затем третий брат Гораций в патриотическом порыве сразил трех братьев Куриациев и тем самым принес Победу родному Риму.
В трагедии идея гражданского долга преобладает над всем и полностью подчиняет себе человеческие страсти: торжество общего блага возможно лишь тогда, когда человек готов пожертвовать ради него своим личным счастьем. Морально возвышая личность гражданственность в то же время угнетает ее. Корнель уже замечает, что гуманистическая гармония между общим благом и личным счастьем невозможна. Людям приходится или превращаться в рабов государства и умерщвлять в себе все человеческие порывы, или отдаваться личным страстям, пренебрегая общественным долгом. Герои Корнеля утверждали своими поступками пафос воли, преодолевающей страсти и подчиняющей их разуму. Волевой человек был идеалом времени.
Трагедии «Сид», «Гораций», последовавшие за ними «Цинна» (1640), «Полиевкт», «Помпеи» и комедия «Лжец» (1643) упрочили славу поэта. Театр Маре, в котором ставились произведения Корнеля, приобрел большую популярность.
В 1659 г. написал «Эдипа». Но и в этой трагедии было слишком много риторики и политических рассуждений. Первенство переходило к молодому Расину.
В последние годы Корнель перелагал церковные гимны на стихи. О нем все забыли, великий поэт доживал свои дни в одиночестве и нищете. Буало с трудом выхлопотал у короля деньги для больного старика, но, когда сумма была выдана, Корнеля уже не было в живых.
РАСИН
1639-1699
Второй этап в развитии жанра классической трагедии связан с именем Жана Расина , обогатившего этот жанр глубокой этической проблематикой и тончайшей психологической обрисовкой героев.
Расин противопоставил действенный энергии и риторической величавости, присущим драматургии Пьера Корнеля. изображение внутренней жизни человека. В отличие от усложненных сюжетов Корнеля с их государственной и общественной проблематикой, сюжеты трагедий Расина сравнительно просты и приближены к семейным, личным отношениям между людьми. Развитие сильной страсти и столкновение значительных, глубоких характеров определяют действие расиновской драмы.
Жан Расин родился в Ле-Ферте-Милоне, в семье областного прокурора. Не прошло и года со дня рождения мальчика, как умерла его мать, а когда ему минуло три года, он потерял и отца. В десятилетнем возрасте мальчика поместили в коллеж города Бовэ, а в семнадцать лет он поступает в янсенистскую школу монастыря Пор-Рояль.
Янсенизм был своеобразным ответвлением католицизма. Янсенисты ограничивали сферу религии моралью. Их главной заботой было нравственное самосовершенствование человека: они побуждали верующих глубоко задумываться над своими поступками, приучали людей к самоограничению и аскетизму. Годы, проведенные Расином в Пор-Рояле, оказали значительное влияние на его духовный склад.
Расин переезжает в Париж, где знакомится с Буало, Лафонтеном и Мольером и по совету последнего пишет свою первую трагедию - «Фиваида», или Братья-враги» (1663). Затем из-под пера молодого драматурга выходит трагедия «Александр Великий» (1665), в герое которой современники легко угадывают идеализированный портрет Людовика XIV.
Расин был искренен в своих восхвалениях монарха. После подавления фрондистского движения (1653) страна вступила в полосу мирного существования; дворцовые интриги, столь частые при покойном кардинале Мазарини, затихли; французская промышленность и торговля благодаря политике Кольбера, покровительствовавшего буржуазии, успешно развивались. Силу нации для всех олицетворял молодой король, и культ его имени был повсеместным. Именно эта всеобщая влюбленность в короля и воодушевила Расина на создание трагедии, которую он сочинил в духе Корнеля.
Однако пора ученичества и прекраснодушия подходила к концу. Через два года после риторического «Александра...» Расин пишет трагедию «Андромаха» (1667), выступая уже как самостоятельный художник, способный на яркое изображение характеров и на глубокое раскрытие общественной темы. Сюжет ее взят из греческой мифологии, но истолкован драматургом совершенно самостоятельно.
Вдова Гектора Андромаха находится в плену у царя Пирра, сына Ахилла. Пирр преследует ее своей любовью и грозит погубить ее сына. Андромаха хочет остаться верной памяти мужа и проявляет необычайное мужество, чтобы сохранить свою честь. Трагедию показали в «Бургундском отеле» в ноябре 1667 г. В зале плакали и шумно аплодировали.
Через два года после «Андромахи» Расин написал «Британика» (1669). Сюжетом новой трагедии послужил рассказ Тацита о царствовании Нерона.
Расин видит главный источник зла, царящего в обществе, в эгоистических страстях, которые не встречают должного противодействия со стороны благородных людей. Готовые к самопожертвованию, эти люди не находят в себе решимости бороться за свой идеал. Губительная сила необузданных страстей особенно страшна потому, что эти страсти могут толкать на преступление даже благородные натуры. Поэт развивает такого рода идеи в трагедиях «Береника» (1670) «Баязет» (1672), «Митридат» (1673), отмеченных глубоким постижением внутренней жизни героев и высоким строем поэтических чувств. «Федра» (1677).
Можно сказать, что после «Андромахи» только в «Ифигении в Авлиде» (1674) Расин снова создает мужественный характер, способный противостоять насилию. Но и здесь, используя сюжет одноименного произведения Еврипида, французский драматург ослабляет гражданское звучание античной трагедии и видит пафос подвига Ифигении не в идее служения народу, а в торжестве всепобеждающей человечности.
Приверженец абсолютной монархии в качестве справедливой общенациональной власти, Расин, как и его герои, не видел выхода из противоречий действительности. Судьба человеческая предстала в драмах Расина только в трагическом аспекте.
МОЛЬЕР 1622-1973
В истории театра за Мольером закреплена роль великого реформатора комедии. Он дал этому жанру глубокое общественное содержание, сатирическую направленность и яркую театральную форму. Мольер создал жанр высокой комедии.
Жан Батист П о к л е н (такова настоящая фамилия Мольера) родился в семье королевского обойщика и мебельщика Ж. Поклена, который, пользуясь своими связями, поместил сына в привилегированное учебное заведение - Клермонский коллеж. Юный Поклен получил широкое по тем временам образование проявив особую склонность к античной литературе и философии. Увлечение театром, возникшее с детских лет, окрепло, и после окончания коллежа (1639) юноша решил посвятить себя театру. В 1643 г. приняв псевдоним Мольер, он организовал вместе с другими молодыми любителями сцены и несколькими профессиональными актерами «Блистательный театр». Однако слабые пьесы и неопытность исполнителей стали причиной быстрого краха нового театра. Мольер и его товарищи были вынуждены покинуть Париж и в течение последующих тринадцати лет (1645-1658) работали в провинции.
Успех Мольера и его труппы в провинции сделал возможным возвращение театра в Париж. После выступления в Лувре перед Людовиком XIV и его двором (1658) труппа Мольера была признана достойной стать третьим парижским театром (наряду с «Бургундским отелем» и театром Маре). Получив наименование «Труппа брата короля», актеры стали выступать в зале Дворца Пти-Бурбон, а с 1661 г. - в помещении театра Пале-Рояль (здание это было завещано кардиналом Ришелье Людовику XIII и в связи с этим изменило свое старое название Пале-Кардиналъ на новое - Пале-Рояль).
В Париже Мольер сблизился с вольнодумцами, сторонниками философа-материалиста П. Гассенди, принимавшими деятельное участие в политической борьбе и выступавшими с критикой дворянского прециозного искусства. Среди них были поэт Сирано де Бержерак, художник Пьер Миньяр, на долгие годы ставший одним из самых близких друзей Мольера, братья Пьер и Тома Корнель, теоретик классицизма Буало, баснописец Лафонтен, наконец юный Расин. Атмосфера этого круга оказала значительное влияние на творчество Мольера. Уже первая комедия, написанная им в Париже, - «Смешные жеманницы» (1659) - нанесла удар салонно-аристократической культуре. Знаменитый острослов и забияка Маскариль, так полюбившийся парижской публике в исполнении Мольера в комедии «Шалый», вновь появляется на сцене в «Смешных жеманницах». Он действует в паре с прославленным фарсовым актером Жодлё, снискавшим огромную популярность у завсегдатаев ярморочных балаганов (Мольер пригласил престарелого актера в свой театр). Они предстают перед зрителями в облике современных французских аристократов: «маркиз» Маскариль и «виконт» Жодле - слуги, переодетые господами, - являются перед помешавшимися на подражании аристократкам-прециозницам мещанками Мадлон и Като.
Пародийные комические маски передавали в гротесковом, буффонном освещении наиболее характерные черты «светской черни».
Успех комедии «Смешные жеманницы» был необыкновенным: пьеса прошла три повышенных сбора тридцать восемь раз подряд.
В следующем творении Мольера - фарсе «Сганарель, или Мнимый рогоносец» (1660) - наметились сдвиги в сторону углубления психологической характеристики образов, в сторону комедии характеров. Мольер идет дальше по пути обогащения народного зрелища опытом профессионального драматургического искусства.
Поворот к реальной жизни особенно заметен в сатирической пьесе «Докучные» (1661). Здесь появляются определенные социальные характеры, обрисованные в сатирическом плане. Действующие лица этой пьесы - бездельники-аристократы, с утра до ночи шатающиеся по дворцовым залам и аллеям парка, наглые фанфароны и назойливые льстецы, пустые прожектеры и любители танцев, заядлые картежники и хвастливые охотники - были написаны Мольером почти с натуры.
Первенцем нового жанра была «Школа жен» (1662).
Богатый и знатный буржуа Арнольф берет на воспитание простую крестьянскую девушку Агнесу, запирает ее у себя в доме и хочет насильно сделать своей женой. Подготавливая ее к этой роли, Арнольф заставляет Агнесу изучить специально для нее составленные домостроевские правила супружества и постоянно твердит, что жена должна быть послушной рабой мужа. Агнеса чистосердечно сознается своему опекуну, что любит молодого Ораса. Орас тоже говорит ему о своей любви к Агнесе, так как не подозревает о планах Арнольфа по отношению к своей воспитаннице. Деспот-опекун уверен, что ему легко будет сладить с простодушными любовниками. Но обстоятельства складываются так, что хитрость попадается в свои собственные сети и простые сердца торжествуют победу.
В ряду великих комедий Мольера первой был «Тартюф», написанный в 1664 г., но показанный только через пять лет борьбы -в 1669 г.
Святоша Тартюф показной набожностью буквально зачаровывает доверчивого буржуа Оргона и полностью подчиняет его своей воле, в результате чего Оргон изгоняет из дома сына, Дампса, посмевшего восстать против лицемера: объявляет дочери Марианне о ее браке с Тартюфом; передает ему в собственность свой дом и доверяет ларец с тайными документами. Домочадцы тщетно стараются раскрыть Оргону глаза на Тартюфа - он остается верным своему кумиру, пока сам не становится свидетелем того, как Тартюф домогается любви его супруги, Эльмиры. Возмущенный предательством и коварством друга, Оргон гневно обличает его. Но Тартюф, сняв маску набожности, сам готов изгнать Оргона из дома и засадить в тюрьму: теперь он - хозяин положения. Но Мольер срывает с него ханжескую личину устами служанки Дорины: для Дорины он сразу же ясен, «раздет догола», и в его набожных речах она видит всего лишь «кривлянье». В ряде сцен, когда Тартюф находит возможным сбросить маску святости, он выступает не только носителем ханжеской морали, но ее подлинным идеологом, проповедующим теорию двуличия:
«Тартюф» еще не был разрешен, а Мольер сочинил новую сатирическую комедию - «Дон Жуан, или Каменный гость» (1665).
В образе Дон Жуана Мольер клеймил ненавистный ему тип распутного и циничного аристократа, человека, не только безнаказанно совершающего свои злодеяния, но и бравирующего тем, что он, в силу знатности своего происхождения, имеет право не считаться с законами морали, обязательными для людей простого звания.
Если в жизни на Дон Жуана не было управы, то на сцене Мольер мог поднять свой гневный голос против преступного аристократа, и финал комедии - гром и молния, которые поражают Дон Жуана, - были не традиционным сценическим эффектом, а образным выражением возмездия, предвестием грозной кары, которая падет па головы сильных мира сего.
В годы борьбы за «Тартюфа» Мольер написал и третью свою великую комедию- «Мизантроп» (1666), в которой гражданские начала мировоззрения драматурга выражены с наибольшей силой и полнотой.
Особую группу в его творческом наследии составляют комедии, направленные против мира собственников, с их пороком стяжательства и страстью «одворяниться». Наиболее яркие образцы этого рода сатирической драматургии - комедия «Скупой» (1668) и комедия-балет «Мещанин во дворянстве» (1670).
Особенно дерзок и решителен в критике господ герой одной из последних комедий Мольера- «Плутни Скапена» (1671). Обличая общественные пороки, зло высмеивая глупых и легкомысленных господ, Скапен прекрасно умеет отстаивать свое человеческое достоинство.
При всей живости, эмоциональности творчества Мольера важнейшей чертой его гения была интеллектуальность. Рационалистический метод, присущий классицизму, способствовал более глубокому анализу характеров, композиционной четкости построения комедии. Исследуя широкие пласты жизни и разнообразнейшие человеческие характеры, Мольер отбирал только те черты которые необходимы для изображения определенных социальных типов.
Пьесы Мольера и ныне не покидают подмостки театров всего мира. Собрания его комедий выходят все большими тиражами на многих языках, так же как статьи и книги о его творчестве. На родине Мольера нет ни одного театра, столичного или провинциального, где бы не шли его пьесы.
ТЕАТР ЭПОХИ ПРОСВЕЩЕНИЯ
ВВЕДЕНИЕ
В XVIII в. начинается новая эпоха истории - эпоха Просвещения.
Просвещение по-разному развивалось в разных странах. В Англии уже в середине XVII века произошла буржуазная революция. Однако на исходе века революционный период завершился так называемой «славной революцией» (декабрь 1688 г. - январь 1689), явившейся по сути дела компромиссом между поднимающейся буржуазией и феодальными землевладельцами. Поэтому задачей Просвещения в Англии оказалось закрепление и развитие результатов революции.
Иной характер приобрело Просвещение во Франции - стране, которой еще только предстояло совершить революцию, причем революцию наиболее последовательную. Если английская революция лишь потрясла здание феодальной Европы, то французская его развалила. Революция во Франции идеологически была подготовлена учением просветителей.
Иначе развивалось Просвещение и в Германии. В Германии тоже произошла революция но не политическая, не социальная, а художественная и философская. Германия в духовной области подвела итог всему, что происходило в жизни других стран Европы.
Наиболее узкий характер имело Просвещение в Италии, но здесь оно сыграло большую роль, выдвинув мыслителей и художников, чье творчество обрело общеевропейское значение.
Об этой эпохе можно сказать, что, начавшись буржуазной революцией в Англии, происходившей под прикрытием религиозных (пуританских) форм, она закончилась тремя революциями: политической буржуазной революцией во Франции, промышленной революцией в Англии и духовной революцией в Германии. Это была эпоха, начавшаяся революцией и революцией закончившаяся. Просветительская идеология была формой идеологии «третьего сословия», поднявшегося на борьбу с феодализмом и его пережитками. При этом театр XVIII в. знает много больших и очень своеобразных творческих индивидуальностей; он дал мировой культуре таких замечательных художников и теоретиков искусства, как Шеридан и Гаррик в Англии; Вольтер, Дидро, Бомарше и Лекен во Франции; Лессинг, Гёте и Шиллер в Германии; Гольдони и Гоцци в Италии.
Для просветителей все социальные, философские вопросы (в теоретическом смысле) решались через человека и ради человека.
Философскую свою основу Просвещение нашло в трактате английского философа Джона Локка (1632-1704) «Опыт о человеческом разуме» (1690). До Локка господствовало мнение о том, что человек рождается с готовым набором неких изначальных идей. Локк убедительно опроверг учение о врожденных идеях и доказал, что все представления приобретаются из общения с внешним миром.
Методологическую основу Просвещению дала научная революция XVII столетия, основным документом которой послужила работа другого английского философа, Френсиса Бэкона (1561 - 1626), - «Новый органон» (1620). Бэкон, вопреки установившейся практике, предложил идти в научных исследованиях не от теории к фактам, а от фактов к теории, которая только и может существовать как их обобщение.
Правда, господство разума привело к тому, что искусство просветителей страдало известной рассудочностью. Рациональный анализ жизни требовал упорядоченных форм искусства. Логика, правильность и законченность построения одинаково отличали как научную, так и художественную мысль эпохи.
Просветители, видевшие идеал человека в личности, нашедшей гармонию «чувства и разума», не могли пренебречь требованиями чувства и тогда, когда речь шла об искусстве: здесь они тоже требовали гармонии.
В борьбе против старого общества просветители уделяли огромное внимание театру. XVIII век - одна из великих эпох в развитии этого вида искусства. Театр Просвещения замечательно выразил и содержанием своим, и методом тот взгляд на мир, который был наиболее адекватен эпохе, когда подводились итоги одной революции и готовилась другая.
АНГЛИЙСКИЙ ТЕАТР
АНГЛИЙСКИЙ театр XVIII в. не только положил начало драматургии Просвещения, но и сам внес в нее немалый вклад.
Трагедия в буржуазный век успеха не имела. Ее место занял новый драматический жанр - мещанская драма , или, как ее еще называют, буржуазная трагедия . Именно в Англии появились первые ее образцы, воспринятые затем театрами Франции, Германии, Италии. Большое развитие получила комедия, форма и содержание которой коренным образом преобразовались со времен Возрождения.
Переход от театра Возрождения к театру Просвещения был долгим, неспокойным, болезненным. В конце 30-х - начале 40-х гг. XVII в. театр Возрождения в Англии угасал. И все же ему не суждено было умереть своей смертью. Последний удар английскому театру нанесла пуританская революция. Давняя пуританская традиция «строгой жизни» удивительно соответствовала духу нового времени. Англия, совсем недавно такая яркая, красочная, полная жизни, сделалась богомольной, благочестивой, одетой, словно в униформу, в однообразное темное платье. Для театра здесь не оказалось места. Театры были закрыты, а потом сожжены.
Дальнейшие исторические события привели к реставрации Стюартов. 25 мая 1660 г. в Лондон въехал на белом коне Карл II. Стали восстанавливаться, хотя и не в полном объеме, традиционные институты монархии. Театр, столь резко отвергаемый пуританской буржуазией, также был восстановлен.
ДРАМАТУРГИЯ
Перелом в развитии английского театра от Возрождения к Просвещению совершился в период, предшествовавший так называемой «Славной революции» 1688-1689 гг., и непосредственно после нее.
Стюарты, вернувшись к власти, восстановили театр. Но это был уже иной театр, заметно отличавшийся от театра предшествующей эпохи. Театр периода Реставрации тяготел к классицизму. Ранние драматурги этого периода учились у Бена Джонсона, более поздние - у Мольера. Вместо площадной формы театра шекспировского времени появилась сцена-коробка. Она требовала более строгой композиции пьесы и большей бытовой достоверности.
Европейская комедия вступает в новый этап. Создается комедия нравов, исходящая из социально-бытовой характеристики персонажей, реалистическая по своим тенденциям, привязанная к обстоятельствам повседневной жизни. Представители: Джон Драйден, Джордж Этеридж, Уильям Уичерли.
Зачинателем предпросветителъской комедии был Вильям Конгрив (1670-1729). Уже первая комедия Конгрива - «Старый холостяк» (1692) -поставила его в число известнейших писателей. К числу лучших английских комедий принадлежат его «Двоедушный» (1693), «Любовь за любовь (1695) и «Пути светской жизни» (1700).
К началу 30-х гг. появился еще один жанр, необходимость в котором ощущалась уже вскоре после революции 1688 г. Это была буржуазная трагедия, или мещанская драма.
Появление мещанской драмы было сильнейшим ударом, нанесенным сословной (классицистской) эстетике жанров. Простой человек завоевывал трагическую сцену. Более того, он объявлял себя единственным ее обладателем. Утвердиться на сцене буржуазной трагедии помог огромный успех пьесы Джорджа Лилло (1693-1739) «Лондонский купец, или История Джорджа Барнвела» (1731). Джордж Лилло - просветитель патриархального толка. Восставая против современной ему развращенности нравов, он апеллирует к твердым нравственным принципам английских пуритан и независимого городского ремесленничества, оберегавшего добродетели своих сельских предков.
В XVIII в. в английском театре начинается расцвет малых жанров. Огромную популярность завоевывают пантомима, балладная опера и репетиция. Два последних жанра выражали наиболее критическое отношение к существующим порядкам.
Балладная опера была пародийным жанром. Песенки исполнялись обычно на самые неподходящие мотивы: веселые слова пелись грустно, грустные - весело. Репетиция была жанром более эстетически однозначным, по сути дела исчерпываясь приемом «сцены на сцене». Начало свое она взяла от пьесы Букингема «Репетиция» (1671), пародии на «героические трагедии» Драйдена, но успех этой пародии был так велик, что ее заглавие дало название целому жанру.
Начиная с 60-х гг. критические тенденции все больше проникают в область «правильной» комедии. Впервые после Конгрива и Фаркера воссоздается полноценная комедия нравов. Сентиментальной комедии с этих пор противостоит веселая комедия. Этот термин принадлежит Оливеру Голдсмиту (1728- 1774), автору трактата «Опыт о театре, или Сравнение веселой и сентиментальной комедии» (1772) и двух комедий. Первая из них-«Добрячок» (1768) - особого успеха не имела. Зато огромный успех выпал на долю его знаменитой «Ночи ошибок» (1773). Успех этот предвещал скорый конец сентиментальной драматургии.
Школа «веселой комедии» подготовила приход крупнейшего английского драматурга XVIII в. - Ричарда Бринсли Шеридана (1751 -1816) . Двадцати четырех лет от роду он поставил свою первую комедию- «Соперники» (1775). За нею в том же году последовали балладная опера «Дуэнья» и фарс «День святого Патрика, или Предприимчивый лейтенант». В 1777 г. появилась «Школа злословия», а через два года после нее - последняя комедия Шеридана, «репетиция» «Критик» (1779). Все творчество Шеридана-комедиографа уместилось в неполные пять лет. И лишь двадцать лет спустя Шеридан вернулся к драматургии - написал трагедию «Писарро» (1799).
Вскоре после первых драматургических успехов, в 1776 г., Шеридан купил у Гаррика театр Друри-Лейн. Это заставило его влезть в долги, с которыми он так и не расплатился. Все комедии Шеридана имели успех, причем часто успех шумный и продолжительный. Но одна его комедия выделяется даже на фоне блестящей драматургии 60-70-х гг., в том числе его собственной. Это - «Школа злословия». Ни в одной из комедий Шеридана нет такой сатирической остроты, как в «Школе злословия».
«Школа злословия» подвела итог истории английской комедии с конца XVII в. Масштаб творчества Шеридана крупнее, психология его персонажей тоньше и сложнее, чем любого из предшественников. Именно в его творчестве осуществляется окончательный переход от комедии положений к комедии характеров, причем разработка характеров не замедляет развита действия, а делает его интереснее.
СЦЕНИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
Английское сценическое искусство начиная с периода Реставрации тяготело к классицизму.
Огромное значение для сценического искусства эпохи Просвещения имела деятельность Дэвида Гаррика (1717-1779). Весной 1741 г. Гаррик благодаря счастливой случайности попал на сцену театра Гудменс - Филдс, потом участвовал с этой труппой в летних гастролях, в октябре блистательно сыграл роль Ричарда III, сделавшую его знаменитым.
В Лондоне тогда было два главных театра: Друри-Лейн, основанный в 1682 г., и возникший пятьдесят лет спустя Ковент-Гарден. Гаррик в 1747 г. купил Друри-Лейн и возглавлял его почти тридцать лет. Все эти годы он был центральной фигурой театрального Лондона.
Шекспир составлял основу репертуара Друри-Лейна. Там было поставлено двадцать пять его пьес. Интерес к творчеству великого Драматурга в Англии и во всей Европе заметно поднялся. Гаррик своей игрой и своими постановками сделал Шекспира современником просветителей, показал его как великого реалиста и знатока человеческих душ.
Роль Ричарда III прочно утвердила просветительский реализм на английской сцене и положение Гаррика в театре. На знаменитой картине английского художника Джошуа Рейнолдса «Гаррик между трагедией и комедией» (1762) великий актер изображен между двумя аллегорическими фигурами, влекущими его каждая в свою сторону. Гаррик, как уже говорилось, одинаково хорошо играл и в трагедии, и в комедии. Более того, эта разносторонность дарования помогла ему наиболее полно выявить все грани своего таланта.
Вскоре после ухода Гаррика английский театр вступает в период нового классицизма. История этого направления связана в первую очередь с многочисленной актерской семьей Кембл, два представителя которой, Сара Сиддонс (1755-1831) и ее брат Джон Филипп Кембл (1757-1823), заняли самое крупное положение в театре того времени.
Двадцати лет Сара Сиддонс дебютировала в Друри-Лейн, которым последний год руководил Гаррик, но провалилась в обеих сыгранных ею ролях: Порции в «Венецианском купце» Шекспира и леди Анны в его же «Ричарде III». Следующие шесть лет она работала в провинции, а когда вернулась в Лондон, сразу же завоевала славу первой трагической актрисы Англии, которую сохраняла до самого ухода со сцены в 1812 г. Критики не могли проследить какого-либо спада в ее творчестве за все эти тридцать с лишним лет: она пришла как олицетворение красоты и трагического величия и такой же покинула сцену.
Большой успех Сиддонс имела и в других ролях английского трагического репертуара, но высшим ее достижением считается роль леди Макбет. Актриса сыграла ее женщиной гордой, но не жестокой.
ФРАНЦУЗСКИЙ ТЕАТР
ИСТОРИЯ Франции XVIII в. была историей вызревания революционной ситуации в этой стране. От десятилетия к десятилетию обострился конфликт между массой третьего сословия и феодальной верхушкой французского общества.
Смерть Людовика XIV в 1715 г. подвела черту под целой эпохой. Абсолютистская система
Пастораль
- это идиллия пастухов и пастушек, действие которой разворачивается
на лоне природы. Их любви постоянно мешают, но конец неизменно счастлив.
Образцами для французских пасторалей являются итальянские пьесы, например
"Аминта"
Тассо
(1582)
и "Пастор Фидо"
Гварини
(1587). Пасторали кажутся сегодня довольно вялыми пьесами, в которых
очень мало действия.
Таким образом, начиная с конца XVI века,
французский театр интересуется все больше фантазией, воображением и
романтизмом. Эти качества характеризуют барочный театр не только во
Франции, но везде в Западной Европе. Принято считать, что Мэре
первым сочинил классическую трагедию ("Софонизба"
),
построенную по правилам греков и римлян.
АКТЕРЫ И ТЕАТРЫ
Театр Hotel de Bourgogne (первый постоянный театр Парижа)
Средневековое общество Confreres
de la passion
, сохранявшая за собой с 1518 года монополию на театральные
представления (религиозные пьесы, фарсы, и т.д.), обосновалась в 1548
г. в части Hotel de Bourgogne, где была оборудована театральная сцена.
Этот театр часто сдавался труппам бродячих актеров, лучшей из которых
стала труппа, получившая позже имя "Grands Comediens"
(Великие актеры). В 1680 г. эта труппа слилась с труппой Мольера и театр
стал зваться Comedie-Francaise
, который существует и ныне.
Театр посещали сначала простолюдины, но начиная с 1630 г., публика становится
более изысканной и элегантной
Самыми знаменитыми актерами этого театра
в XVII веке были: Бельроз
(1600-1670), игравший как в комедиях,
так и в трагедиях; Монфлери
(1600-1667), игравший великих трагиков
и покорявший публику своим мощным голосом (он играл расиновского Ореста);
наконец, Шамесле
(1642-1698), которая была величайшей трагической
актрисой труппы и любимой актрисой Расина (она играла Гермиону, Беренику,
Федру, и т.д.).
Театр Марэ (соперник предыдущего)
В 1634 г. другая труппа открыла постоянную театральную залу в районе
Марэ. В 1644 году театр был полностью разрушен пожаром; актеры призвали
на помощь архитекторов, которые и построили новый театр (ложи, амфитеатр,
более обширная сцена).
Финансируемые королем и кардиналом Ришелье,
актеры Марэ способствовали развитию театра своим талантом, богатством
и славой, приобретенной благодаря постановкам пьес Корнеля. Звездой
труппы был Мондори
(1594-1631), ставший кумиром публики после
того, как он сыграл роль Родриго в пьесе Корнеля "Сид"
;
знаменит был также Флоридор
(1608-1672), "наследник"
Мондори, игравший с достоинством и величественной серьезностью роли
в таких пьесах, как "Гораций"
и "Цинна"
.
Труппа Мольера
Мольер с труппой вернулся в Париж в 1658 году после продолжительной поездки по провинции. Вскоре его труппа переходит под покровительство брата короля и располагается (с 1661 г.) в Палэ Рояле, чьи залы она делит с итальянскими труппами. Мольер окружен Армандой Бежар , своей женой, Ла Гранж , Дю Круази , Бароном , Дю Парк и ее мужем. После смерти Мольера труппа сливается с труппой Марэ и с труппой отеля Бургундия.
Итальянская комедия
Вызванные во Францию Екатериной Медичи, итальянские актеры пользовались большой популярностью в Париже, несмотря на то, что играли на итальянском языке, вплоть до конца XVII века. Их мимика была очень экспрессивной и часто актеры импровизировали (commedia dell"arte). Постоянными персонажами были Тривлин, Скарамуш, Арлекен, Пьерро, Полишинель и Панталоне .
Опера
Из Италии также приходит в XVII веке опера. В 1669 была создана "оперная академия или музыкальные представления". Музыку для опер сочинял Люлли, либретто - Кино (Quinault).
И в 17 веке появляются 2 больших стиля. Большими стилями называются – ренессанс, барокко, классицизм, романтизм. Следы большого стиля уходят в философию. И разрушенный мир восстанавливается двумя способами. Барокко и классицизм это 2 огромные исполинские стиля в искусстве, которые сосуществуют. 17 век до того сложен в европейской культуре. Он более мощный чем эпоха возрождения. Он не имеет одного определения. Его просто зовут 17 век.
Барокко и классицизм направлены на то, чтобы вернуть человеку целостное ощущение жизни. Барокко (жемчужина неправильной формы – с португальского)Жемчуг это идеальный предмет для выражения барочного мироощущения. Он белый и отсвечивает разными цветами. Мир создан богом – но не ренессансным. А Демиургом (творцом вселенной). Это грозный судия. Все делается по его промыслу. Он не благорасположен к человеку. По его воле в мире много того, что считается злом. Мир более сложной конструкции, чем кажется человеку Э.В. Следовательно целостность. Которая возвращается в мир, выражается в этой самой жемчужине. Любимые образы барокко – раковина с завитками, жемчужница и яйцо. Оно дает целостный образ мира. Время текуче. Всяческие рассуждения о суете сует это все барочное мироощущение. Стиль в котором нет покоя. Мир, который в движении. Фасад барочного здания избыточен, там много деталей. Он похож на кремовый огромный торт. Но если снести все украшательства мы увидим простой ренессансный фасад. Идея та же. Но с уточнениями. Классицизм является абсолютным отражением идей барокко. Хотя кажется что эти стили противоположны. Классицизм возвращает человека к ренессансной гармонии. В архитектуру вернулась пропорциональность ренессансных объемов, пространство, соразмерное человеку. Классицизм не рассматривает отсутствие или наличие Бога. Классицизм интересует не призрачные явления потустороннего мира, а мир людей, которому нужно дать какое-то направление движения. Классицизм говорит о том, что человек должен учиться себя прилично вести. Он должен заняться воспитанием своих чувств и эмоций, выработать социальные навыки поведения, чтобы мир не распался от царящих в обществе войн. Неслучайно классицизм опирается на закон (механизм, регулирующий соц. отношения в обществе). В классицизм опять возвращается зеркало. Человек всюду видит свое отражение. Начинает распрямлять спину, следить за собой.
Барочная клумба вся наполнена формами, красками, праздничная такая.
Классицистская клумба не будет аскетичной. Но в ней цветы подобраны по росту (маленькие, средние, высокие)классицизм раскрывает искусство композиции и позволяет увидеть мир в более сложной конфигурации.
Стили барокко и классицизм являются ответом – как себя вести. Человек должен научиться побеждать себя. У Мартина Опеца? немецкого поэта 17 века есть двустишие:
И самый трудный бой - есть бой с самим собой
Победа из побед –победа над собой.
Это можно отнести и к барокко и к классицизму.
Классицистская пьеса возвращается к ренессансной основе конфликта. И сюжет пьесы станет результатом раскрытия характера главного действующего лица. Сюжет пьесы «Федра» это раскрытие характера Федры.
Жан Бати́ст Раси́н (1639 - 1699) - французский драматург, один из «Великой Тройки» драматургов Франции 17 века, наряду с Корнелем и Мольером, автор трагедий «Андромаха», «Британик», «Ифигения», «Федра».
Классицизм
Тогда создается театр, который постепенно эволюционирует и приходит к тем формам театра, которые нам хорошо известны.
Про классицизм практически нет литературы. Когда писали учебники ссылались на французские какие-то источники. Это была переработка придуманная кем-то. в основном писали филологи, и все это не имело отношения к реальным документам. Из страны особенно никто не выезжал. Поработать с документами в архиве никто не мог.
Классицистский театр это театр где в основном стоят, говорят слова, стоят в позах, произносят монологи в фронтальных мизансценах. И так мы себе представляем Мольера. Это не правда!
Когда Мольер играл Сганареля в пьесе «Дон Жуан», то соседний ресторан выставлял ему счет, потому что на сцене было три перемены блюд. Они ели настоящую еду. На сцене было 15 человек массовки (в учебниках написано, что 1 человек изображал армию)
Триединства – единство места, времени и действия. В Италии из за этого загнулся ученый театр. А во Франции эта идея прижилась.
Пока в Англии и Италии писались пьесы и формировались стили, Франция сражалась. Там была Варфоломеевская ночь, борьба за престол. Политические события были более важными для истории страны, чем развитие театра.
После Варфоломеевской ночи, когда Париж очистился от гугенотов, началась новая напасть. Правящая династия Валуа не имела наследника, который бы мог претендовать на престол. Нашли нового короля – Генриха Наваррского. Он имел отношение к этой династии. Но у него был недостаток – он был гугенот. Он принимает католицизм. Становится Генрихом 4 Бурбоном. Тогда поменять веру это значительный шаг. Не надо рассматривать это как меркантильный поступок – за корону предам веру. Генрих 4 подписывает Нантский эдикт (закон о свободе вероисповеданий). Судьба Генриха 4 сложится трагично. Его убьет Равальяк религиозный фанатик гугенот.
Искусство эпохи возрождения показывало как люди уничтожают друг друга. И самые лучшие из них оказывались гадами (Макбет). Сила побеждает. В этот момент во Франции складывается та структура государственная, которая будет влиять на весь европейский ход событий. Складывается абсолютная монархия. Это особый тип государственной власти. Абсолютный (совершенный). Во Франции 17 века складывается совершенная форма правления, опирающаяся на римское право, когда любой закон подписывается двумя людьми сразу. (Людовик -13 и кардинал)Государство должен двигать закон, а не личность. Закон принуждал людей договариваться друг с другом. Рождается основная идея классицизма – идея великого компромисса (поиск точки, при которой противонаправленные силы не разрушают явления, а позволяют ему существовать и двигаться вперед). Нужно найти ту точку равновесия между силами, которая позволит двигаться вперед, развиваться. В классицистском искусстве это точка – я человек, его собственный эгоизм, представление о морали, чести… и люди живущие вокруг меня. Люди учатся жить вместе.
Для французов по сей день – закон является идеей фикс (маниакальная идея)
Эта черта европейского человека нам не близка…
На протяжении всего 16 века на территории бургундского отеля показывали спектакли. Там работали и братья, которые играли мистерии. К концу века они стали испытывать проблемы в связи с приездом в Париж итальянской труппы комедии дель - арте.
У них была проблема с наполняемостью зала и они стали сдавать помещение в аренду.
Они стали понимать, что нужны новые тексты. Публика шла на сюжет. Они стали писать пьесы в подражании испанским, но играли на средневековый манер.
Бургундский отель как помещение спорт зала. У одной из стен ставилась сцена. На ней располагались все места действия сразу, как в беседочном способе, когда зритель переходил от беседки к беседке. Тут были выстроены фрагменты декорации в последовательности. Актеры переходили от одной игровой точки к другой. На переднем плане стояло кресло, дальше кусты, потом кровать, потом обломок корабля, могила… и актеры, делая шаг оказывались в другом месте. И не понятно было, сколько времени проходило между этими событиями, потому что это средневековый способ. Встала проблема соотнесения времени и пространства в условиях когда театр уже не ориентирован на храмовое пространство и пространство площади. Там преобладала вертикаль. Тут плоская площадка. Кардинал Ришелье, сказал, что нужно делать спектакли понятные публике, чтоб они следили за смыслом, а для этого нужно облегчить понимание сюжета. И определить одно место действия. Если трагедия – это дворец, если комедия – улица перед домом. Проблема со временем тоже решилась просто. Определили сутки. И что касается действия – должна быть одна сюжетная линия. Эти законы – законы восприятия здравого смысла. И в 19 и даже в 20 веке многие драматурги соблюдают эти законы. А некоторые говорили, что соблюсти эти правила то же что сотворить дворец на острие иглы.
Но суть классицизма не в этих правилах. Идея классицизма в понимании духа этого стиля. Не в следовании букве, а в следовании духу. Классицизм ставит перед человеком задачу – быть приличным человеком. Решить как соотнести светскую и духовную жизнь. Вот можно жить в миру и соблюдать пост? Перед человеком встал вопрос что такое совесть, нравственность? Опираясь на христианские понятия, мы знаем что это такое, а в светской жизни они работают? Классицизм первый стиль рассматриваемый психологию человека. Человек всматривается в себя и пытается соотнести себя с остальными. Да Гамлет тоже это делал, но он был один такой. Другие себя ни с кем не соотносили. Классицизм первый психологический стиль близкий к современному типу мышления. И кардинал провозгласил еще одну важную веешь. Он первый сказал. Что театр это кафедра, что театр должен показывать человеку его пороки и добродетели. Это зеркало.
Шекспировский театр это почти сказка. Он погружен в истории. Классицистский театр освобождается от сюжета. Он обращен к духовной проблеме, которая должна каким-то образом разрешаться. Интерес к внутреннему миру человека очень точно вызревал в культуре 17 века. Это касается всех жанров литературных. Именно в это время Ля Рош Фуко пишет «МАксима»
Французская культура устроена так, чтобы человек всегда видел себя со стороны.
В Версале в зале зеркальном все время видит себя в зеркалах. И в это время складывается этикет и понятие долга рождается в 17 в. Людовик -14 назывался король французов, а не король Франции. Когда умирал кардинал Мазарини воспитатель Людовика, он разглядел в своем воспитаннике выдающиеся черты личности. И он ему сказал, что ты должен править Францией один (к вопросу об абсолютной монархии) и с этого времени на посту премьер министра ставится не духовное лицо, а министр финансов (человек 3 сословия).
1.Дворянство
2.Духовенство
3. Все остальные (очень интеллектуальное и интеллигентное сословие во Франции)
В 1664 году была «Андромаха» Расина, один испанский дворянин писал домой и удивлялся, что все даже водовозы рыдают над судьбой Андромахи. Другой пишет: в Париже все читают, даже женщины. Во Франции первой начинают писать философские труды не на латыни а на французском.
Людовик первый провел перепись населения в стране. Выяснил, что ввозит и вывозит страна и создал Протекционистскую политику, по которой развивались недоразвитые отросли. Начинается мощный экономический всплеск. Все было разумно но при этом все было театрализовано. Этикет нужен только для того, чтоб люди соблюдали дистанцию. И определялось, кто что может и не может. право табурета –право сидеть в присутствии короля. Когда королева рожала, при этом присутствовал весь двор. Это Франция рожала наследника. Когда король просыпался по всей Франции давался сигнал рожка. Значит Франция проснулась. Король не человек, а символ страны. Мушкетеры размахивая шляпой описывают в воздухе букву ЭЛЬ(заглавная буква имени короля). Встать спиной к королю нельзя. Ты стоишь спиной к Франции. Современная психология тут не годится. Людовик создавал академии. Они разрабатывали французский язык, чтоб слово выражало смысл, без всяких украшательств. К слову отношение как к закону. Сегодня, если во Франции берутся к постановке тексты Корнеля, Расина или Мольера, государство выделяет субсидии на спектакль. Это национальная классика. поощрение языка, менталитета. Расин состоял при Людовике моментальным переводчиком латинских текстов с листа, как знаток латыни. Людовик спросил у него, кто из поэтов составит славу моему царствованию? Тот ответил – Мольер. Король сказал - я так не думаю. Но вам видней. В это время Мольера уже давно не было в живых. И до смерти у них с Расином был конфликт и они так и не помирились. Но истина дороже, чем личные взаимоотношения.
Трагедия «Сид» – знамя французского классицизма. 1636 год – премьера. Тогда в Париже было много трупп. Был театр Маре, который был построен в номом квартале. Они то из Руана привезли пьесу Сид и сыграли ее. Она шла с диким успехом. Весь Париж смотрел на Родриго глазами Химены – писал газетчик. Корнель имел плохой характер. Ему были малы признания публики. Он хотел признания академии. Он просил оценки. Академики заседали 6 месяцев. И сказали – нет, это не шедевр. Нарушается единство времени(36 часов), места и стиха(Появляется другой размер). Этот факт вошел в историю, как курьез. Спор о Сиде он называется.
Корнель обратился к испанскому сюжету – Песня о моем Сиде(испанский эпос) и перенес его в свой текст. В момент постановки пьесы Париж находился в войне с Испанией. это то же самое что у нас в России во время второй мировой играть про фашистов и представлять их героями. После этого появился негласный закон искать сюжеты на мифологические темы, не заимствуя у каких-то сомнительных эпических произведений, которые бы вызывали ненужные политические аллюзии.
Но не смотря на формальные зацепки академиков эта пьеса шедевр.
Сюжет тут на поверхности и ни о чем. 2 испанских дворянина поспорили, один другому дал пощечину. И второй должен отомстить. Но он стар. Он обращается к сыну Родриго чтоб тот вызвал на дуэль обидчика. Но тот второй является отцом невесты Родриго Химены. Родриго убивает на дуэли отца Химены. Химена обращается к королю и просит наказать обидчика. Король отправляет его на войну с арабами и потом он возвращается. Все. Герой жив. Но почему это трагедия? Самое главное тут – превращение Родриго в Сида. В конце мы узнаем. Что арабы назвали его Сидом за бесстрашие на войне. (Сид- от Саид (господин). Это пьеса про то, как человек становится господином над самим собой. А в этом заключается центральная идея классицизма. Читая пьесу, она кажется простой о конфликте между долгом и чувством. Это все не правда. Родриго любит Химену и должен быть идеальным в ее глазах. И он должен вызвать ее отца на дуэль. Чтоб быть достойной ее самой. Пьеса про то, как человек старается быть идеальным вопреки самому себе. В этом странность классицистской трагедии. Он становится идеальным и Химена понимает это и она тоже должна следовать долгу, но она уже не может быть идеальной, как он. Ее влачит обязанность. Чтоб нам было понятно. Когда в 20 веке в 1940 году немцы вошли в Париж, половина Франции сдалась без боя. И она поделилась на оккупированную северную зону и на свободную южную. Каждый человек мог сам выбирать где ему находиться. Когда в 1948 году фр.режиссер Жан Вилар ставит корнелевского Сида и приглашает на роль Сида двадцатитрехлетнего Жерара Филипа он попадает в десятку. Он играл француза, который хочет стать идеальным. В 46 году эта коллизия была понятна французам. Тогда шли суды над теми, кто отрешился в дни войны и перешел на сторону немцев. И поэтому спектакль имел такой политический резонанс и на несколько лет стал бесцеллером. Когда Ж. Филип умер его похоронили в костюме Сида. Эта пьеса выражает суть французского характера. Преодолеть себя вопреки самому себе. Это основная тема всей французской культуры.
3 мушкетера показывает разные грани французского характера и очень ценится. Все четверо – как один человек. Арамис ходит в сутане, потом снимает ее, берет шпагу и идет боролся. Это важная проблема 17 века. Как человеку в светском обществе жить духовной жизнью. На этой проблеме замешан Тартюф Мольера.
Классическая французская трагедия достигла своего пика развития в начале 70-х годов XVII ст. , когда мир узнал неповторимые трагедии Корнеля, Расини и других великих драматургов. Театральный классицизм имел свои школы трагедийной игры с особой манерой актерского поведения и декламационной игры на сцене.
Основные принципы классического театрального стиля были изложены Франсуа д"Обиньяк (1604-1676) в его работе «Практика театра». Закон трех единств идеального спектакля включал в себя следующие элементы:
1) единство места, когда смена декораций не приветствовалась. Для трагедий обычно выбирались залы дворцов, для комедий – обычная комната или площадь города;
2) единство времени, когда события разворачивались в реальном времени, без всевозможных переносов. В большинстве случаев действия спектакля не выходили за пределы одних суток;
3) единство действия – самое сложно выполнимое требование. Сюжет пьесы должен был иметь одну основную линию без побочных эпизодов.
По таким правилам драматургии были написаны, к примеру, пьесы Расини «Андромаха», «Британник», «Береника». Только спустя много лет Французская Академия разработала новые драматургические нормы.
Помимо трагедий придворный репертуар содержал и пьесы комедийного жанра. Родоначальниками классических комедий по праву можно считать драматургов Корнеля, Сирано де Бержерака и Скаррона. На вершине же пьедестала утвердился знаменитый Мольер (Жан-Батист Поклен,1622-1673).
Мольер был сыном придворного обойщика-декоратора и самым любимым драматургом французского короля Людовика XIV. Только благодаря покровительству высокопоставленной особы драматург смог избежать травли и интриг окружения. Спектакли Мольера славились своей находчивостью, великолепием и профессиональной импровизацией.
Именно Мольер стал родоначальником нового театрального жанра – комедии-балета. В Париже он написал тринадцать пьес, которые сопровождались великолепнейшей музыкой. Современники Мольера высоко оценили старания автора, который смог соединить в одно целое и музыку, и танец, и драматургию. Практические все музыкальные композиции к комедиям-балетам были написаны Жаном Батистом Люлли.
Все комедии-балеты Мольера можно условно разделить на две группы: лирические пьесы («Принцесса Элиды» и «Психея») и бытовые комедии («Жорж Данден» и «Мнимый больной») . Большинство пьес Мольера были не просто высококультурными произведениями, они также имели важное общественное значение.
Конечно, в современном мире комедии-балеты Мольера не так популярны, как раньше. За то сейчас база артистов Trec Studio исполняет куда более зрелищные постановки, чем во Франции XVII. В их программу входит огненное и песочное шоу, итальянские и тирольские танцы, шоу со сменой костюмов и многое другое.