Дорого и сердито: некрасивые картины, стоящие миллионы. Самые жуткие картины знаменитых художников

«Ночной кошмар» — серия из четырех картин швейцарского и английского художника Генри Фюзели, которые иллюстрируют готическое направление в искусстве Нового времени.

Фигура спящей или лежащей без сознания женщины, изображенной на картине, удлинена и изогнута. Фюзели намеренно написал её именно так, чтобы показать всю тяжесть инкуба, сидящего на её груди, — воплощения кошмаров и бессознательных страхов. В прорези между штор видна голова слепой лошади, чей образ в данной картине предвосхищает демонический аспект, придаваемый этому животному в позднем французском романтизме.

Часто, когда мы думаем о картинах в музеях, то представляем себе милые пейзажи и величественные портреты. Однако искусство может иметь и другую сторону медали. Иногда художник создает работу настолько тревожную, что она граничит со страшной. Может, вы и не захотите повесить такие у себя в спальне, но они определенно заслуживают внимания. Вот 10 самых страшных картин, написанных великими художниками.

Великий красный дракон и морское чудовище, Уильям Блейк.

Сегодня Уильям Блейк хорошо известен своими гравюрами и романтической поэзией, но при жизни он был совсем не знаменит. Его гравюры и иллюстрации выполнены в классическом стиле. В своем творчестве он отталкивался от воображения, а не от реальных исследований природы. Блейк написал серию акварельных картин, изображающих великого красного дракона из Книги Откровений. На картине изображен красный дракон, воплощение дьявола, стоящий над семиглавым морским чудовищем.

Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса, Фрэнсис Бэкон.

Ф. Бэкон был одним из самых влиятельных художников 20 века. Его картины дерзкие и холодные в переносном смысле. Они продаются за миллионы фунтов, и даже куски холста (Бэкон уничтожал работы, которые ему не нравились) стоят немало. На протяжении всей жизни он возвращался к портрету Иннокентия X, делая свои интерпретации этой картины. Работа Веласкеса изображает Папу в задумчивости, а у Бэкона он нарисован кричащим.

Данте и Вергилий в аду, Адольф Вильям Бугро

Ад Данте, с его изображениями пыток, с самого дня публикации вдохновлял многих художников. Бугро - самый знаменитый из всех. Однако он переходит от классического спокойствия к кругам ада, где персонажи непрерывно борются, крадя через укус личности друг друга. Под торжество демона Данте и Вергилий наблюдают за осужденными на вечные муки.

Смерть Марата, Эдвард Мунк

Эдвард Мунк - самый известный норвежский художник. Его знаменитая картина «Крик» прочно въелась в сознание людей. Жан-Поль Марат был одним из лидеров Французской революции. Страдая от болезни кожи, он проводил большую часть времени в ванной, где он работал над своими записями. Там же он и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображали несколько раз, но работа Мунка отличается своей жестокостью.

Отрубленные головы, Теодор Жерико

Его самая известная работа - это «Плот Медузы», огромная картина, написанная в романтическом стиле. Жерико пытался разбить рамки классицизма, перейдя к романтизму. Эти картины были начальным этапом его творчества. Для своих работ он использовал настоящие конечности и головы, которые находил в моргах и лабораториях.

Искушение Святого Антония, Матиас Грюневальд

Этот художник изображал религиозные сюжеты Средних веков, хотя сам жил во времена Возрождения. Говорили, что святой Антоний столкнулся с испытаниями своей веры во время молитвы в пустыне. Согласно легенде его убили демоны в пещере, затем он воскрес и уничтожил их. Эта картина изображает Святого Антония, подвергнувшегося атаке демонов.

Натюрморт из масок, Эмиль Нольде

Эмиль Нольде был одним из ранних художников-экспрессионистов, хотя его славу затмили другие, такие как, например, Мунк. Сутью экспрессионизма является изображение реальности с субъективной точки зрения. Нольде написал эту картину после изучения масок в Берлинском музее. На протяжении всей жизни он увлекался другими культурами, и эта работа не является исключением.

Сатурн, пожирающий своего сына, Франсиско Гойя

Согласно римской мифологии, основанной на греческой, отец всех богов пожирал своих собственных детей, чтобы никто из них не смог занять его место. Гойя изобразил на холсте убийство ребенка. Эта картина никогда не задумывалась для широкой публики, она была нарисована на стене его дома вместе с такими же мрачными «Черными картинами».

Юдифь и Олоферн, Караваджо

Эта картина написана по мотивам ветхозаветной «Книги Юдифи», рассказывающей историю о молодой вдове, Юдифи. Согласно легенде, Олоферн был полководцем армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею. Вавилоняне осадили город Ветилую, в котором жила целомудренная и богобоязненная молодая вдова Юдифь. Надежды для горожан не было никакой. Надев красивые одежды и взяв с собой служанку, она отправилась в стан врага и сделала так, что Олоферн проникся к ней доверием. Когда в один из вечеров он заснул пьяным, она отрезала ему голову и вернулась в родной город. Выражение мрачной решимости на лице служанки резко уравновешивается нечитаемым взглядом Юдифь и криком ужаса самого Олоферна.

Сад земных наслаждений, Иероним Босх

Иероним Босх, известен своими тревожными и фантастическими картинами религиозной тематики. Сад земных наслаждений - это триптих, изображающий Райский сад, Сад земных наслаждений и Наказания за смертные грехи которые происходят в этом земном саду. Внимательное изучение картины показывает истинный талант Босха, к остроумным деталям. В целом, работы Босха является одними из самых ужасных.

Искусство может быть любым. Кто-то видит красоту природы и передаёт её с помощью кисти или резца, кто-то делает потрясающие фотографии человеческого тела, а кто-то находит красоту в ужасном - в таком стиле творили Караваджо и Эдвард Мунк. Современные художники от отцов-основателей не отстают.

1. Дадо

Югославец Дадо родился в 1933-м году и умер в 2010-м. На первый взгляд его работы могут показаться совершенно обыкновенными или даже приятными - это из-за выбора цветовой гаммы: многие хоррор-художники выбирают чёрный или красный, а Дадо любил пастельные оттенки.

Но присмотритесь к таким картинам, как «Большая ферма» 1963-го или «Футблолист» 1964-го года, и вы увидите на них гротескных существ. Их лица полны боли или страдания, на телах видны опухоли или лишние органы, или же тела просто неправильной формы. На самом деле картины вроде «Большой фермы» пугают куда больше, чем явный ужас - именно из-за того, что с первого взгляда ничего ужасного в них не замечаешь.

2. Кит Томпсон

Кит Томпсон - скорее коммерческий художник, чем человек искусства. Он придумал монстров для фильма Гильермо Дель Торо «Тихоокеанский рубеж» и сериала Скотта Вестерфилда «Левиафан». Его работы выполнены в технике, которую скорее ожидаешь увидеть на картах «Magic: The Gathering», чем в музее.

Посмотрите на его картину «Тварь из Припяти»: монстр слеплен из нескольких животных и страшно уродлив, зато даёт прекрасное представление о технике Томпсона. У монстра даже есть история - он якобы является продуктом Чернобыльской катастрофы. Конечно, монстр несколько надуманный, будто вышел прямиком из 1950-х годов, но от этого он не становится менее жутким.

«SCP Foundation» взяла это существо в качестве своего талисмана, назвав его «SCP-682». Но в арсенале Томпсона ещё немало подобных монстров, и пострашнее есть.

3. Джунджи Ито

К вопросу о коммерческих художниках: некоторые из них рисуют комиксы. В деле хоррор-комиксов Джунджи Ито - чемпион. Его монстры не просто гротескны: художник тщательно прорисовывает каждую морщинку, каждую складку на теле тварей. Именно это пугает людей, а вовсе не иррациональность монстров.

Например, в его комиксе «Загадка Амигары Фолт» он раздевает людей и отправляет их в человекообразное отверстие в твёрдой скале - чем ближе мы видим это отверстие, тем страшнее, но даже «издали» оно кажется пугающим.

В его серии комиксов «Узумаки» («Спираль») есть одержимый спиралями парень. Сначала его одержимость кажется смешной, а потом уже страшной. Причём страшно становится ещё до того, как одержимость героя становится магией, с помощью которой он превращает человека в нечто нечеловеческое, но при этом живое.

Работы Ито выделяются среди всей японской манги - его «нормальные» персонажи выглядят необыкновенно реалистичными и даже милыми, и чудовища на их фоне кажутся ещё более жуткими.

4. Здислав Бексиньский

Если художник заявляет: «Я не могу представить себе, что значит разумность в живописи», скорее всего, он рисует не котят.

Польский живописец Здислав Бексиньский родился в 1929-м году. На протяжении десятилетий он создавал кошмарные образы в жанре фантастического реализма вплоть до своей ужасной кончины в 2005-м году (его 17 раз пырнули ножом). Наиболее плодотворный период в его творчестве приходился на 1960 - 1980 годы: тогда он создавал высоко детализированные изображения, называемые им самим «фотографиями его мечты».

По словам Бексиньского, значение той или иной картины его не волновало, но некоторые из его работ явно что-то символизируют. Например, в 1985-м году он создал картину «Trollforgatok». Художник вырос в опустошённой Второй Мировой войной стране, поэтому черные фигуры на картине могут олицетворять польских граждан, а голова - некий безжалостный орган власти.

Сам художник утверждал, что ничего подобного не имел в виду. На самом деле Бексиньский говорил об этой картине, что её стоит воспринимать, как шутку - вот что значит по-настоящему чёрный юмор.

5. Уэйн Барлоу

Тысячи художников пытались изобразить Ад, но Уэйн Барлоу в этом явно преуспел. Даже если вы не слышали его имени, то работы наверняка видели. Он принимал участие в работе над такими фильмами, как «Аватар» Джеймса Кэмерона (режиссёр лично его похвалил), «Тихоокеанский рубеж», «Гарри Поттер и узник Азкабана» и «Гарри Поттер и Кубок Огня». Но одной из самых выдающихся его работ можно назвать вышедшую в 1998-м году книгу под названием «Инферно».

Ад у него - не просто застенки с демоническими лордами и армиями. Барлоу говорил: «Ад - это полное безразличие к человеческим страданиям». Его демоны часто проявляют интерес к человеческим телам и душам и ведут себя скорее как экспериментаторы - игнорируют чужую боль. Люди для его демонов - вовсе не объекты ненависти, а просто средство для праздного развлечения, не более того.

6. Тецуя Исида

На акриловых картинах Исиды люди часто превращаются в такие объекты, как упаковка, конвейерные ленты, писсуары или даже подушки для геморроя. У него есть и визуально приятные картины, на которых люди сливаются с природой или убегают в волшебную страну своего воображения. Но такие работы куда тусклее картин, на которых работники ресторанов превращаются в манекенов, закачивающих в клиентов еду так, как будто они обслуживают автомобили на АЗС.

Независимо от мнения по поводу точности и проницательности художника или яркости его метафор нельзя отрицать, что стиль у его работ жуткий. Любой юмор у Исиды идёт рука об руку с отвращением и страхом. Его карьера подошла к концу в 2005-м году - 31-летнего Исиду сбил поезд, и почти наверняка это было самоубийство. Оставленные им работы оцениваются в сотни тысяч долларов.

7. Дариуш Завадский

Завадский родился в 1958-м году. Как и Бексиньский, он работает в стиле жуткого фантастического реализма. Его учителя в художественной школе сказали Завадскому, что у него не слишком хорошее зрение и плохой глазомер, так что художником ему не стать. Ну, с выводами они явно поторопились.

В работах Завадского присутствуют элементы стимпанка: он часто рисует похожих на роботов существ, под искусственной кожей которых видны работающие механизмы. Для примера взгляните на картину маслом 2007-го года «Гнездо». Позы птиц - такие же, какие бывают у живых, а вот каркас явно металлический, едва прикрытый клочками кожи. Картина может вызвать отвращение, но при этом притягивает взгляд - хочется рассмотреть все детали.

8. Джошуа Хоффин

Джошуа Хоффин родился в 1973-м году в Эмпории, штат Канзас. Он делает ужасающие фотографии, на которых знакомые с детства сказки обретают страшные черты - историю, конечно, можно узнать, но при этом её смысл сильно искажается.

Многие его работы выглядят слишком постановочными и неестественными, чтобы по-настоящему пугать. Но есть и серии фотографий вроде «Шедевров Пикмана» - это дань одному из персонажей Лавкрафта художнику Пикману.

На фотографиях 2008-го года, которые вы можете здесь увидеть, - его дочь Хлоя. Лицо девочки почти не выражает эмоций, и она почти не смотрит в сторону зрителей. Пугает контраст: семейное фото на прикроватной тумбочке, девочка в розовой пижамке - и огромные тараканы.

9. Патриция Пиччинини

Скульптуры Пиччинини порой сильно отличаются друг от друга: одни скульптуры представляют собой мотоциклы неправильной формы, другие - странные шары с горячим воздухом. Но в основном она создаёт скульптуры, стоять с которыми в одной комнате очень и очень неуютно. Они даже на фотографиях выглядят жутковато.

В работе 2004-го года «Неделимый» некий гуманоид прижимается к спине нормального человеческого ребёнка. Больше всего тревожит элемент доверия и привязанности - как будто невинность ребёнка жестоко использовали ему во вред.

Конечно, работы Пиччинини критикуют. Про «Неделимого» даже говорили, что это не скульптура, а некое настоящее животное. Но нет - это просто плод её воображения, и художница продолжает создавать свои работы из стекловолокна, силикона, и волос.

10. Марк Пауэлл

Работы австралийца Марка Пауэлла шокируют по-настоящему сильно. Его шоу 2012-го года представляет собой ряд композиций, в которых фантастические существа эволюционируют, пожирают и выделяют друг друга из собственных тел, размножаются и распадаются. Текстуры существ и окружающая обстановка чрезвычайно убедительны, а язык тела фигур точно подобран, чтобы ситуации выглядели как можно более обычными - а значит, и убедительными.

Разумеется, интернет не мог не отдать художнику должное. Вышеупомянутая «SCP Foundation» взяла отвратительного монстра с изображения выше и сделала его частью истории под названием «Плоть, которая ненавидит». Также с его работами связаны многие ужасные истории.

Привыкли получать от произведений искусства эстетическое наслаждение и удовольствие? Но мир живописи может вас не только удивить, но и напугать. На протяжении веков великие художники создавали выдающиеся полотна, от которых у зрителей волосы вставали дыбом.

Вы не испытываете неприятное волнение при виде «Крика» ? Или есть другая нарисованная «страшилка», которая впечаталась в вашу память? Artifex подобрал для вас 10 картин, которые точно не стоит разглядывать перед сном.

10. Караваджо, «Юдифь и Олоферн», 1599

Открывает топ реалистичное полотно итальянского мастера по мотивам ветхозаветной «Книги Юдифи». Легенда о девушке, которая ради своего народа пошла в стан врага, завоевала доверие полководца Олоферна и ночью отрубила ему голову, долгое время волновала художников по всей Европе. Обычно ее изображали с отрубленной головой в руке посреди лагеря врагов, но Караваджо решил отразить сам момент убийства. Благодаря такому решению, художник передал не только атмосферу кровопролития, но и эмоции убийцы и жертвы.

9. Бугро, «Данте и Вергилий в аду», 1850

Французский художник XIX века Адольф Вильям Бугро очень любил поэму Данте «Божественная комедия». Художник изобразил сцену из XXX песни той части поэмы, которая называется «Ад». На восьмом кругу преисподней главные герои наблюдают, как две проклятые души измываются над обманщиком. Бугро долго работал над цветовой палитрой картины и изучал эстетические границы человека. Картина, по замыслу художника, должна была передать страх и ужас от происходящего в подземном мире. На Салоне 1850 года эта работа вызвала отвращение у публики.

Знаменитый триптих до сих пор таит в себе множество загадок для исследователей. Ни одно из толкований работы, существующее сегодня, не признано исчерпывающим. Триптих показал всю полноту фантазии и мастерства художника. Он посвящен греху сладострастия, и все три части отображают главную идею Босха в мельчайших деталях. На внешних створках триптиха изображена безмятежная картина мироздания, но, открыв их, погружаешься в атмосферу безумного хаоса.

7. Мунк, «Смерть Марата», 1907

Не спутайте эту картину с одноименной величественной работой , ставшей своеобразным символом Французской революции. Эдвард Мунк писал свое полотно спустя 114 лет после Давида, и основное внимание уделил не фигуре революционного публициста, а моменту его убийства. В своей неподражаемой манере автор «Крика» изображает обнаженную Шарлотту Корде спустя мгновение после того, как она жестоко зарезала Марата. Нагнетающие мазки и обилие крови дополняют пугающий эффект от картины.

6. Блейк «Великий красный дракон и морское чудовище», 1806-1809

Заслуженно считается одним из самых таинственных английских художников и гравёров. Этого живописца с детства мучили призраки и видения, позже он изобразил их в своих произведениях. Серию картин Блейк посвятил Красному дракону из «Откровения Иоанна Богослова». На этой картине дракон олицетворяет Сатану, возвышающегося над еще одним демоном - морским чудищем. Эпичность и детальная проработка монстров не только пугают, но и вызывают восхищение.

5. Бэкон, «Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса», 1953

Работа является переосмыслением «Портрета Папы Иннокентия X» . Классик английского экспрессионизма написал около 40 подобных полотен, вошедших в серию «Кричащие папы». Художник изменил цвет одежды папы с красного на фиолетовый и написал все полотно в темных тонах. Благодаря технике мастера, работа не вызывает ассоциаций с исходным портретом Веласкеса, но зато производит пугающее и гнетущее впечатление.

4. Дали, «Лицо войны», 1940

Эта картина знаменитого испанского художника способна вызвать приступ паники у зрителя. Сальвадор Дали играет не только с символами, но и с передачей настроения. Конструкция из головы, окутанной змеями, все уменьшающиеся черепа в глазницах того, что когда-то было человеком, символизирует бесконечный цикл смертей. В правом нижнем углу художник «оставил» отпечаток свой руки. А типичная для творчества Дали пустыня и желтые тона придают этой картине оттенок параноидального сумасшествия.

3. Гойя, «Сатурн, пожирающий своего сына», 1819-1823

Некоторые гравюры могут напугать даже взрослого человека. Среди них интерпретация сюжета из древнегреческой мифологии, где титан Кронос пожирает своих детей в страхе быть свергнутым одним из них, кажется самой жуткой. Гойя изобразил безумие на лице и без того безобразного монстра, что еще больше сгущает атмосферу ужаса происходящего. Эта работа «украшала» стену в его «Доме Глухого», но вряд ли кому-нибудь еще захотелось бы пройти мимо такой картины в своем доме ночью.

2. Карри, Gallowgate Lard, 1995

Художник Кен Карри родился в Англии в 1960 году. На его мрачных полотнах отражаются процессы, происходящие в современном мире. Картины Карри воздействуют на психику зрителя, создают у него чувство безысходности и страха, но в то же время подталкивают к размышлениям. Жуткий автопортрет художника представляет собой плод его раздумий над метафизическими вопросами, связанными с разложением современного общества и сознания человека.

1. Рапп, «Проигрыш разума перед материей», 1973

Даже мельком взглянув на картину австрийского художника Отто Раппа, хочется сразу же отвести взгляд. Разлагающаяся человеческая голова на птичьей клетке, нетронутый язык внутри нее – такой «натюрморт» напрягает не только психику зрителей, но и вызывает чисто физиологический дискомфорт. Можно гадать, какой смысл художник вложил в работу, но совершенно очевидно ― это по-настоящему пугающая картина! И если кому-то подобный сюжет приснится ночью, то «благодарить» за кошмар нужно мастерскую технику Раппа.

Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то — затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые — удивляют непомерной ценой.

«Странность» — это довольно субъективное понятие, и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства.

Эдвард Мунк «Крик»

1893, картон, масло, темпера, пастель. 91×73,5 см

Национальная галерея, Осло

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

1897-1898, холст, масло. 139,1×374,6 см

Музей изящных искусств, Бостон

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

Пабло Пикассо «Герника»

1937, холст, масло. 349×776 см

Музей королевы Софии, Мадрид

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

1434, дерево, масло. 81.8×59.7 см

Лондонская национальная галерея, Лондон

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.
В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

Михаил Врубель «Демон сидящий»

1890, холст, масло. 114×211 см

Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

Василий Верещагин «Апофеоз войны»

1871, холст, масло. 127×197 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.
Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа».
Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Грант Вуд «Американская готика»

1930, масло. 74×62 см

Чикагский институт искусств, Чикаго

«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

Рене Магритт «Влюбленные»

1928, холст, масло

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

Марк Шагал «Прогулка»

1917, холст, масло

Государственная Третьяковская Галерея

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Иероним Босх «Сад земных наслаждений»

1500-1510, дерево, масло. 389×220 см

Прадо, Испания

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

Густав Климт «Три возраста женщины»

1905, холст, масло. 180×180 см

Национальная галерея современного искусства, Рим

«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

Эгон Шиле «Семья»

1918, холст, масло. 152.5×162.5 см

Галерея «Бельведер», Вена

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.

Фрида Кало «Две Фриды»

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

1899, холст, масло

Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

Джексон Поллок «Номер 5, 1948»

1948, фибролит, масло. 240×120 см

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

1935, медь, масло, 23×32 см

Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

Яцек Йерка «Эрозия»

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться .

Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

При упоминании о живописи в головах большинства из нас всплывают портреты мадонн и захватывающие дух пейзажи, библейские сюжеты и исторические баталии, кто-то представляет натюрморты или абстрактные изображения. Как ни крути, первыми на ум приходят полотна, призванные восхищать, дарить эстетическое наслаждение или размышлять над посылом художника. Разве не ради этого существует искусство? Но в мире живописи существуют картины, вселяющие ужас тем, кто на них смотрит. Некоторые полотна и вовсе имеют дурную славу, ходят легенды о том, что их владельцев обязательно постигает какое-то несчастье или даже смерть. В этой подборке мы собрали картины, глядя на которые, становится не по себе.

The Hands Resist Him («Руки противятся ему») Билл Стоунхем

Эта картина уже завоевывала звание самой страшной в мире. Она была написана в 1972 году. По одним данным, Стоунхем изобразил себя в пятилетнем возрасте со своей маленькой сестрой, а образы срисовал со старой детской фотографии. По другим сведениям, дверь за спиной мальчика — граница, отделяющая реальность от мира снов, а рядом стоит вовсе не сестра, а кукла, являющаяся проводником между двумя этими мирами.

Дурными слухами картина стала обрастать сразу после смерти ее владельца Джона Марли. Люди, смотрящие на полотно, признавались в том, что начинали плохо себя чувствовать, а кто-то впадал в истерику или панику. Поговаривали, что тех, кто посмотрел на картину, ждет какое-то несчастье. Также существует история о семье с четырехлетней девочкой, которая прибегала к родителям по ночам в испуге. По ее словам, в одну ночь дети на картине дрались, а в другую — стояли за дверью. В какой-то момент творение Стоунхема нашли на свалке. В 2000 году полотно было продано на аукционе eBay. Новому владельцу писали о дурной славе, а сам лот сопровождался комментарием, что это картина с привидениями.

Сейчас “Руки противятся ему” — первая часть трилогии. В 2004 Билл Стоунхем написал Resistance at the Threshold (“Сопротивление на пороге”) , а в 2012 — Threshold of Revelation (“Порог откровений”).

«Плачущий мальчик» Джованни Браголин

Говорят, что Бруно Амадио (настоящее имя художника) хотел изобразить ребенка в свете от спички, а мальчик страшно боялся огня и плакал. Теперь ребенок мстит за свои мучения — в доме, где появляется репродукция проклятой картины, происходит пожар, а на пепелище находят само полотно, никак не пострадавшее от огня.. В 80-е интерес к “Плачущему мальчику” подогрела британская газета The Sun. Вокруг зловещей картины начался ажиотаж, истории о пожарах появлялись одна за другой. Закончилось все тем, что газета попросила своих читателей прислать в редакцию их картины и таким образом избавиться от страхов. The Sun устроили ритуальное сожжение всех присланных полотен, правда, оказалось, что слухи крутились вокруг пяти разных вариантов картины и все на волне суеверных переживаний казались владельцам проклятыми.

Картины Здислава Бексински

Картины этого польского художника переполнены мрачными образами: постапокалиптичный мир, смерть, разложение, уродливые фигуры. Как и многие представители сюрреализма (хотя это не единственное направление, в котором работал художник), Бексински черпал вдохновение в сновидениях. К сожалению, мастер не давал названия своим полотнам, из-за чего нам остается только гадать над теми образами и мирами, которые он сотворил. Также остается доподлинно неизвестным, что вдохновляло Бексински на создание столь мрачных, ужасающих и во многом безумных работ. Сам художник находил некоторые свои полотна “забавными”. Известно, что близкие характеризовали Бексински как веселого и доброго человека, однако по некоторым письмам и работам творца известна его заинтересованность философией садомазохизма.

«Крик» Эдвард Мунк

Эта картина знаменита, узнаваема и известна всем, кто хоть немного интересуется живописью. Мунк пытался изобразить один из закатов, увиденный им воочию и поразивший до глубины души. Художник предпринимал несколько попыток как можно точнее передать свое состояние, когда он стоял на мосту и смотрел на кроваво-красный закат. На первых вариантах “Крика” центральная фигура представляла собой человека со вполне реалистичными чертами, но затем сменилась абстрактной фигурой, напоминающей разным людям скелет, эмбрион и даже сперматозоид. Сам Мунк назвал свое творение “Крик природы”. Волнообразный пейзаж и насыщенные кровавые краски призваны передать агонию природы, которая передается человеческой фигуре и заставляет ее застыть в ужасе и отчаянии.

Насчет тех мест, к которым привязан сюжет картины, существует несколько версий. Говорят, что в тех краях находилась психиатрическая клиника, где лечилась младшая сестра Мунка, и скотобойня. По рассказам близких Эдварда Мунка, художник воспроизводил “Крик” снова и снова до тех пор, пока не излечился от психического недуга. Существует мнение, что Мунк страдал маниакально-депрессивным психозом. Также ходят слухи о том, что некоторых людей после знакомства с полотном постигла беда — кто-то умер, не выдержав ужасных мигреней, а кто-то сгорел в собственном доме.

«Женщина дождя» Светлана Телец

Как признается сама художница, эту картину она нарисовала всего за 5 часов и все это время у нее было ощущение, будто кто-то водит ее руку. Картина неоднократно покупалась, но всякий раз ее возвращали обратно. Владельцы жаловались на бессонницу, беспричинный страх и навязчивое ощущение, будто за ними кто-то следит, другие же, наоборот, рассказывали, как им снилась женщина с картины или везде мерещились ее глаза. Сама художница верит, что каждая картина пишется для какого-то конкретного человека. Если “Женщина дождя” существует, то кто-то ищет ее, а она — своего владельца.

Картины Кена Карри

Шотландский художник Кен Карри родился в 1960 году, на его глазах происходило множество политических и социальных изменений, оставивших мрачный след в душе юного творца. Карри стал изображать угасающие и страдающие тела, призванные передать болезненное состояние современного общества. Реалистичные проблемы социально-философского характера переплетаются в работах художника с метафизическими вопросами, волнующими каждого из нас. Пугающие полотна — попытка Карри изобразить и в то же время глубже осознать, как наше тело зависит от старения, боли, физических травм, болезней. Одна из самых известных работ художника (в то же время и одна из самых жутких) называется Gallowgate Lard и является его автопортретом. Другое знаменитое полотно — портрет британского физика-теоретика Питера Хиггса, лауреата Нобелевской премии за предсказание бозона Хиггса. Эта картина не пугает, но вряд ли кто-то захочет повесить ее в своей спальне.