Понятие «композитор» впервые появилось еще в 16 веке в Италии, и с тех пор его используют для обозначения человека, занимающего сочинительством музыки.

Композиторы 19 века

В 19 веке венскую музыкальную школу представлял такой выдающийся композитор как Франц Петер Шуберт. Он продолжил традиции романтизма и оказал влияние на целое поколение композиторов. Шуберт создал более 600 немецких романсов, возведя этот жанр на новый уровень.

Франц Петер Шуберт

Другой австриец, Иоганн Штраус, стал знаменит благодаря своим опереттам и легким музыкальным формам танцевального характера. Именно он сделал вальс самым популярным танцем в Вене, где до сих пор устраиваются балы. Кроме того, в его наследии - польки, кадрили, балеты и оперетты.

Иоганн Штраус

Ярким представителем модернизма в музыке конца 19 века был немец Рихард Вагнер. Его оперы не утратили актуальности и популярности по сей день.

Джузеппе Верди

Противопоставить Вагнеру можно величественную фигуру итальянского композитора Джузеппе Верди, который оставался верен оперным традициям и придал итальянской опере новое дыхание.

Петр Ильич Чайковский

Среди русских композиторов 19 века выделяется имя Петра Ильича Чайковского. Ему характерен уникальный стиль, сочетающий европейские симфонические традиции с русским наследием Глинки.

Композиторы 20 века

Сергей Васильевич Рахманинов

Одним из самых ярких композиторов конца 19-го - начала 20-го веков по праву считается Сергей Васильевич Рахманинов. Его музыкальный стиль основывался на традициях романтизма и существовал параллельно с авангардными течениями. Именно за индивидуальность и отсутствие аналогов его творчество было высоко оценено критиками во всем мире.

Игорь Федорович Стравинский

Второй известнейший композитор 20 века - Игорь Федорович Стравинский. Русский по происхождению, он эмигрировал во Францию, а потом США, где и проявил свой талант в полную силу. Стравинский - новатор, не боящийся экспериментировать с ритмами и стилями. В его творчестве прослеживается влияние русских традиций, элементы различных авангардных течений и неповторимый индивидуальный почерк, за что его называют «Пикассо в музыке».

Type your cut contents here.

В. КОННОВ. Нидерландские композиторы XV-XVI веков. Избранные главы из книги.

ВВЕДЕНИЕ

НИДЕРЛАНДСКИЕ ПОЛИФОНИСТЫ: КТО ОНИ?

Этот вопрос встает перед многими слушателями, посещающими концерты старинной музыки. Творчество Жоскена Депре, Орландо Лассо, а также других представителей этой удаленной от нас в глубь веков композиторской школы сегодня перестало быть достоянием кабинетных ученых-историков, оно привлекает к себе внимание не только музыкантов-профессионалов, но и музицирующих любителей. Возникает вполне оправданный интерес и к творцам этого высокого искусства, и к музыкальной поэтике и стилистике их произведений. Интерес этот тем более закономерен, что популярность, доступность нидерландской музыки даже сейчас все-таки не достигает уровня всемирно прославленной школы живописи так называемых «старых нидерландцев». Каждый образованный человек знает по меньшей мере имена Яна ван Эйка, Рогира ван дер Вейдена, Луки Лейденского, Иеронима Босха, Питера Брейгеля Старшего; их творения сохраняют силу художественного воздействия вплоть до сегодняшнего дня. Имена же и музыкальное наследие их современников-композиторов продолжают оставаться известными сравнительно немногим.

Полезно напомнить, что творчество нидерландских полифонистов сейчас только еще начинает возрождаться к новой активной жизни после более чем двух веков прочного забвения. Старые нидерландцы разделили эту участь вместе с Монтеверди, Шютцем; вместе с ними достаточно длительное время – около века – пробыло в забвении творчество Баха. И вот сейчас, когда музыка нидерландских полифонистов стала возвращаться к слушателям, возникает вопрос: не потеряла ли она своего художественного значения?

И сопоставимы ли открытия музыки с достижениями живописи, скульптуры и литературы того периода? По этим вопросам специальная литература, существующая как на русском, так и на иностранных языках, предлагает порой самые противоречивые суждения. И дело не только в том, что музыка той эпохи дошла до нас не полностью, что сохранилось мало фактов из жизни ее творцов. Начиная с далеких времен и вплоть до нашей современности деятельность нидерландских полифонистов вызывала самые различные оценки. Художественный мир основоположника нидерландской школы Й. Окегема сегодня нередко оценивают как проявление поздней готики, как мистически-восторженное преломление религиозной настроенности. Современники же сравнивали его с Донателло, одним из наиболее последовательных борцов за светский гуманизм Возрождения, одним из предшественников Микеланджело. Взаимоисключающие оценки вызывало творчество центральной фигуры нидерландской композиторской школы Жоскена Депре. Ведущий теоретик и идеолог нидерландской полифонической школы Глареан считал творчество Жоскена высшим, классическим выражением ars perfecta – «совершенного искусства», находящего свое выражение в полифонической мессе и мотете – жанрах, обобщивших всю историю развития европейского культового многоголосия. Согласно мысли Глареана, в этом искусстве ничего нельзя изменить без того, чтобы оно не впало в деградацию. С этой точки зрения в дальнейшем сторонники ars perfecta осуждали творцов оперы, в том числе великого Монтеверди.

Однако уже современники Жоскена усматривали в его творчестве совершенно другие эстетические качества: он признавался творцом нового искусства, в основу которого было положено не готическое растворение личности в универсуме, боге, но ренессансное выражение внутреннего мира человека (не кто иной как сам Глареан упрекал Жоскена в непочтительном отношении к средневековым ладам – фундаментальной основе музыкального языка «совершенного искусства»). В XVI веке Жоскена в равной мере ценили деятели таких непримиримо-враждебных идеологий, как папство и лютеровская Реформация.

Весьма разноречивы и суждения современных ученых. Характеризуя нидерландскую полифоническую школу, В. Д. Конен пишет: «Это была эпоха, когда во всех областях умственной деятельности мощно расцвела светская мысль, а высшие проявления в музыке оказались глубоко подчиненными религиозному строю чувств» . Напротив, автор известного учебника по истории зарубежной музыки К. К. Розеншильд отмечает в нидерландской музыке того времени «особую торжественность светского, мирского плана»; он указывает также, что еще на рубеже XIX и XX веков великий русский композитор С. И. Танеев справедливо подчеркивал глубоко народные истоки творчества нидерландских композиторов .

Такая противоречивость суждений может быть объяснена двумя причинами. Прежде всего – сложным, противоречивым характером самого музыкального творчества той эпохи. Эта особенность творчества композиторов нидерландской полифонической школы будет раскрыта в дальнейшем изложении. Однако для современного массового слушателя существуют еще и специфические языковые трудности. В изобразительных искусствах от эпохи Возрождения вплоть до начала XX века не было столь крупных стилевых перемен, которые привели бы к такому значительному «интонационному барьеру», как тот, что возник между музыкой средневековья, Ренессанса и XVII века, с одной стороны, и музыкой XIX и XX столетий – с другой.

Начиная со второй половины XVIII века в европейской музыке утверждается мажоро-минор – звуковая система, которая вплоть до сегодняшнего дня служит основой европейского музыкального сознания (формирование иных звуковых систем в профессиональном композиторском творчестве XX века все же не смогло окончательно поколебать господствующее положение мажоро-минора в общественном музыкальном сознании). Становление мажоро-минорных ладов открыло путь колоссальному прогрессу музыкальной культуры, связанному с рождением оперы, симфонии, классической

сонаты, камерной, инструментальной и вокальной музыки (фортепианной миниатюры, романса). Однако в истории часто бывает, что значительные завоевания в научной и культурной жизни общества влекут за собой определенные потери. Особенно ощутимыми они оказались в музыке на рубеже середины XVIII века. Окончательное утверждение мажоро-минора повлекло за собой длительное забвение всего предшествовавшего пласта музыкальной культуры: произведения Баха и Шютца, Монтеверди и Пёрселла, не говоря уже о нидерландских, итальянских и французских мастерах XV-XVI веков, на долгие годы, десятилетия и даже столетия исчезали из концертного репертуара.

До начала XVII века в европейской профессиональной музыке господствовали почти исключительно мелодические лады семиступенной диатоники (так называемые средневековые лады), являвшиеся основой народно-песенной традиции древнейшего слоя, возникшего приблизительно в XIV-XV веках. «Интонационный словарь» эпохи, не знавшей современного мажора и минора со свойственной им гармонической функциональностью, столь же значительно отличался от современного, как литературные обороты древнего гомеровского эпоса отличаются от стилистики шекспировских драм, как наивно-угловатая (на первый взгляд) живопись старинных средневековых икон – от реалистической живописи Рембрандта. Пробуждение к новой жизни этого огромного и притом неоднородного стилевого пласта старинной музыки началось в XIX веке с его, так сказать, «периферии» – с наследия XVIII века. Оно легче входило в слуховое сознание современников, потому что представляло собой сочетание стилевых черт старинной доклассической эпохи, обобщенной великим Бахом, и новой, «классицистской», в отдельных чертах предвидевшейся Бахом, но впервые поднятой на недосягаемую художественную высоту мастерами Венской классической школы – Гайдном, Моцартом и Бетховеном. И не случайно, что именно возрождение Баха композиторами-романтиками XIX века положило начало длительному процессу реабилитации художественных ценностей доклассической эпохи, процессу, который сегодня дошел до своеобразного возрождения самого музыкального

Ренессанса. Более того, отдельные исполнительские коллективы с успехом начинают пропагандировать ценности музыкальной культуры средневековья, еще дальше продвигаясь в глубь веков.

Эпоха XV-XVI веков не знала светских публичных форм концертной жизни. Для нее были характерны три разновидности форм музицирования, свойственные всей культуре средневековья и соответствовавшие социальным запросам трех слоев феодального общества: светских феодалов, духовенства и третьего сословия (в него входили как крестьяне, так и ремесленники и зажиточные бюргеры средневековых городов). Речь идет о светской профессиональной музыке, культовой музыке и народном творчестве. Народное творчество (фольклор, т. е. песни и танцы устной традиции) в ту эпоху было основной демократической формой светского музицирования. Очень важно, что именно Нидерланды славились своей богатейшей народно-песенной культурой. Народ Нидерландов был очень музыкален. Имеется свидетельство итальянца Гвиччиардини, писавшего в 1556 году о Нидерландах, что «в народе, не учившись петь вместе, поют в высшей степени красиво и гармонически правильно» . Есть также данные о том, что в XV-XVI веках музыку в Нидерландах любили больше, чем живопись и скульптуру.

Именно в песенном фольклоре возникла раньше всего яркая, реалистически-светская образность, основным носителем которой была сочная мелодика; на нее и опирались в дальнейшем нидерландские композиторы.

Многие из этих песен зазвучали в полифонических мессах нидерландских композиторов: не только в неизменном виде, как цитаты, но и в качестве первоосновы индивидуального мелодического языка.

Расцвет фольклора чрезвычайно важен для понимания происходивших в музыке Нидерландов процессов обновления. Бытование фольклора было связано не только с музицированием крестьянства, но и с новой бюргерской культурой нидерландских городов. Об этом свидетельствует наличие объединений народных музыкантов – менестрелей, а также так называемые «риторические камеры» – своеобразные литературно-

ремесленные цехи, в которых музицирование подвергалось строжайшей и изощренной формальной регламентации. Своды правил подобных объединений можно себе представить по знаменитой «бекмессеровщине», осмеянной Вагнером в опере «Нюрнбергские майстерзингеры». И тем не менее народное творчество Нидерландов буквально било ключом. Оно и явилось плодоносной почвой, на которой расцвели наиболее ценные образцы профессионального музицирования.

Переходя к профессиональным жанрам, отметим: сложность восприятия нидерландской полифонии для современных слушателей в том, что она воплощает новый строй чувств в устарелых сегодня формах музицирования. Музыкальная жизнь Нидерландов рассматриваемого периода содержала в себе значительные пережитки средневековья, почти полностью сошедшие с исторической сцены в середине XVIII века.

Особенно это касалось светской профессиональной музыки, которая в основном бытовала в капеллах влиятельных светских феодалов, и прежде всего бургундских герцогов.

Светская аристократия в лице бургундских герцогов и их двора заботилась не о возрождении античной учености и утонченности нравов, как это имело место в Италии, а о возвращении престижа былой рыцарской доблести. Основная задача их капелл – оформление торжественных ритуалов княжеских дворов. <…> Роль [музыки] ограничивалась в основном развлекательными функциями. Это вело к облегченности, поверхностности, снижению этического и эстетического уровня. <…> Именно потому в исторических условиях рассматриваемого периода светские профессиональные жанры в творчестве нидерландских композиторов не достигли вершин, доступных культовой музыке.

Ясно, что в этих условиях крупнейшие композиторские силы устремлялись в церковь. <…> У культовых жанров было два огромных преимущества. Первое – это возможность значительного углубления идейно-этического содержания. Не следует забывать, что в эпоху средневековья соборы и монастыри являлись крупнейшими центрами образованности. При монастырях были крупные библиотеки, в которых хранились также и рукописи музыкальных произведений. Высшие чины духовного звания так или иначе должны были заниматься разработкой проблем теологии, которая в те времена была неразрывно связана с философией. Вне разработки теологических проблем было немыслимо построение ни новой гуманистической философии, ни новой научной картины мира. <…> Второе: именно для музыкантов работа на заказ церкви была в то время исключительно плодотворной, ибо в исторических условиях средневековья только церковь давала возможность широкого публичного исполнения профессиональной музыки. <…>

Столь разнородный музыкальный быт выдвинул жанры, в целом далекие от современной музыкальной культуры, но верно отражавшие «многоукладность» культуры XV–XVI веков. Уже к концу первой четверти XV века становятся характерными три основных жанра – «крупный», «малый» и «промежуточный» (они были выделены влиятельным музыкальным теоретиком И. Тинкторисом в 1475 году): месса , песня (шансон) и мотет .

Специфической особенностью музыки того времени являлся сугубо вокальный характер названных жанров. Это, конечно, не означает, что отсутствовали музыкальные инструменты и инструментальное музицирование. Однако инструментальная музыка и по тематизму, и по принципам мышления, и по формам, и по образности всецело находилась в зависимости от вокальной. Наиболее распространенным было ансамблевое инструментальное музицирование: в основу его брали хоровые произведения. Другим путем проникновения инструментария в вокально-хоровую культуру была возможность восполнить отсутствующий голос инструментом, или, по-видимому, широко практиковавшиеся дублировки вокальных голосов инструментами, по преимуществу духовыми. Так обстояло дело в жанрах профессиональной музыки. В музыке же устной традиции получили распространение и зачатки специфически инструментальной музыки в виде бытовых танцев, импровизаций на излюбленном бытовом струнном инструменте – лютне, а также на органе или иных клавишных инструментах. Однако лишь к началу XVII века эти ростки инструментальной музыки стали уравниваться в правах с музыкой вокальной. Интересующий же нас период музыкальной культуры Нидерландов показателен как раз господством вокальных жанров.

Светская вокальная полифония была представлена полифонической шансон (песней). Название это обобщает ряд частных разновидностей светской вокальной лирики, имевшей в своей основе преимущественно любовные сюжеты. Старинная полифоническая шансон в творчестве нидерландских композиторов претерпела значительные изменения, о чем будет сказано в дальнейшем; сейчас же необходимо указать на истоки этого жанра – многоголосные рондели, лэ, виреле, баллады. Эти жанры со сложными и разнообразными системами рифмовки текста и повторов («рефренов») музыкального материала родились в музыкально-поэтическом творчестве французских трубадуров и труверов в XIII веке. Однако время рождения полифонической песни – XIV век. В творчестве знаменитого французского поэта и композитора Г. де Машо (1300–1377) «словесная» лирика воплощается уже многоголосно: к поюще-

муся верхнему голосу добавляются один, два или три голоса, исполняемых инструментами. Однако здесь нельзя говорить о сольной песне с сопровождением: все голоса такого многоголосия, безотносительно к тому, поются они или исполняются на инструментах, имеют одну и ту же – вокальную – природу; речь может идти лишь о более индивидуализированном характере мелодического рисунка верхнего (поющегося) голоса. Разумеется, нельзя говорить и о мало-мальски самостоятельной роли «инструментального сопровождения»: до рождения современной камерной вокальной лирики еще без малого два века. Однако и в границах этих скромных возможностей Машо, а за ним представители ранней культуры полифонической песни Дюфаи и Беншуа умели достигать тонких выразительных эффектов, преодолевая манерность, вычурность аристократического искусства в опоре на демократическую песенность.

К другой группе жанров, характерных для творчества нидерландских композиторов, относятся месса и мотет. Месса – жанр культового музицирования (исполнялась по ходу церковной службы), мотеты писались как на светские, так и на духовные сюжеты. Тем не менее между этими жанрами очень много общего. В процессе исторического развития нидерландской школы светские мотеты были вытеснены полифонической многоголосной песней; с другой стороны, уже начиная с Машо, многочастная полифоническая месса начала трактоваться как своеобразный цикл мотетов на литургический текст. В отличие от шансон, в которой, как правило, один и тот же напев повторяется с разными строфами текста (как в современной строфической или куплетной песне), мотет в целом представляет собой свободную, не регламентированную композицию, состоящую из ряда контрастных по материалу разделов. Чередование, последовательность этих разделов, их выразительность определяются смыслом текста, лежащего в основе мотета.

Внутреннее строение каждой из частей мотета на ранней и на поздней стадиях развития нидерландской полифонической школы бывало различным, однако существенна общая черта, отличавшая тогда мотет от песни: песня основывалась на оригинальном тематиче-

ском материале, мотет – на заимствованном. Такой заимствованный материал называется кантусом фирмусом . На кантус фирмус «наслаивались» («надстраивались») контрастирующие верхние голоса. В эпоху средневековья (XIII–XIV вв.) этот контраст усугублялся тем, что в разных голосах одновременно пелись различные тексты. Дело доходило до курьезных случаев, когда голос, исполнявший кантус фирмус, основывался на религиозном песнопении, в то время как в другом голосе текст представлял собой любовные излияния, а в третьем – сатиру на пьянствующих монахов! Все это звучало одновременно благодаря сходной ритмике текстов.

В дальнейшей истории мотета композиторы искали более органичные поэтические и музыкальные связи голосов полифонического мотета. У нидерландцев мотет становится одним из наиболее развитых в концепционном отношении жанров. Его бытование в интересующую нас эпоху будет прослежено на примерах творчества виднейших представителей нидерландской школы. Здесь же необходимо лишь предварительно сказать об истоках тематического материала мотета – кантуса фирмуса. В этом качестве, по освященной веками традиции, утвердился григорианский хорал – одноголосные хоровые песнопения на литургический текст, систематизированные, согласно преданию, папой Григорием Великим (ум. в 604 г.).

Григорианский хорал представлял собой по существу достаточно разнообразный свод песнопений для хора (отсюда название хорал): Среди них выделяются два типа. Псалмодия – это мерная речитация, такое интонирование текста священного писания, преимущественно на одной звуковой высоте, при котором

на один слог текста приходится одна нота напева; гимны-юбиляции – свободные распевы слогов слова «аллилуйя», воплощавшие восторг верующих. По своей функции в музыкальной культуре средневековья григорианский хорал являлся полной противоположностью народной песне. Если народная песня отражала реальные, живые человеческие чувства, непосредственное ощущение действительности, то григорианский хорал был призван вытеснять из сознания человека земные помыслы, направлять его мысли и чувства в сторону божественных представлений.

Григорианский хорал оказывал сильное и своеобразное воздействие на прихожан. Его собственная история представляла собой последовательный компромисс, в результате которого вместо «конфронтации» с народной песней сам григорианский хорал (прежде всего «аллилуйя» и другие гимны) насыщался народно-песенными оборотами. Церковные власти вынуждены были допустить к исполнению в богослужении гимны, основанные на мелодике народно-песенного происхождения, так называемые секвенции. Ряд таких секвенций – в том числе прославившаяся в дальнейшей истории музыкальной культуры «Dies irae» – являются высокими, непреходящими образцами искусства, полностью сохранившими свое художественное воздействие до нашего времени.

Первоначально мотеты писались, в основном, на григорианский кантус фирмус. Однако, продолжая наметившуюся еще в средневековье тенденцию к преодолению абстрактности, мистической отрешенности литургического музицирования, композиторы нидерландской полифонической школы постепенно стали насыщать мелодические голоса мотета светским народно-песенным материалом, используя его то как кантус фирмус, то как основу для «свободных» голосов сочинения.

Несколько слов следует предварительно сказать и о мессе. Для понимания роли этого жанра в нидерландской музыкальной культуре следует принимать во внимание его предшествующую историю. Первоначально (до XIV века) месса вообще была одноголосной; песнопения, воплощавшие ее текст, укладывались в узаконенные рамки григорианских хоральных напевов. Впрочем, уже григорианские песнопения, звучавшие в мессе, были достаточно разнообразны. Во-первых, они подразделялись по складу на псалмодические и гимнические. Во-вторых, бытовали два вида музыкальных «циклов» григорианской мессы: «особая месса» (Missa proprium), состав частей которой менялся в зависимости от праздника, по случаю которого проводилось богослужение, и «обычная месса» (Missa ordinarium), в состав которой вошли пять постоянных частей: 1) Kyrie eleison – «Господи, помилуй», 2) Gloria in excelsis Deo – «Слава в вышних богу», 3) Credo – «Верую», 4) Sanctus et Benedictus – «Свят» и «Благословен», и, наконец, 5) Agnus Dei – «Агнец божий».

В эпоху раннего средневековья (до IX века) «обычную мессу» отличал от «особой» не только состав частей, но и участие в ее исполнении всей общины верующих. Прихожане (в подавляющем большинстве – представители демократических слоев населения) при­вносили в строгий, аскетичный стиль григорианского одноголосия живительное тепло народно-песенных интонаций, и эти фольклорные влияния тщательно вытравлялись церковью в той мере, в какой это было возможно. Однако в дальнейшей истории мессы жизнеспособными оказались только перечисленные выше пять частей «обычной мессы», которые сперва исполнялись всеми прихожанами . <…>

У ИСТОКОВ СОВРЕМЕННОГО МУЗЫКАЛЬНОГО МЫШЛЕНИЯ

Величайшим завоеванием нидерландской композиторской школы, обеспечившим ей почетное место в истории мировой музыкальной культуры, явилось формирование принципов современного музыкального мышления. Становление их открыло огромные перспективы роста содержательности музыки, предоставило музыкальному искусству возможность откликаться свойственными ему средствами на сложнейшие философские и социальные проблемы. Какие именно черты современного музыкального мышления подготовлены представителями нидерландской композиторской школы? И что, собственно, представляет собой это «музыкальное мышление», спросит нас читатель?

Размышляя о высокоразвитых классических музыкальных жанрах, связанных с художественным воплощением значительных и содержательных концепций, даже неискушенный в музыкальной теории человек может сказать, что основные музыкальные мысли и их развитие в таких широко известных произведениях, как сонаты и симфонии Моцарта, Бетховена, Чайковского, Шостаковича связаны с музыкальными темами, с их неповторимой выразительностью, а драматургия, концепция, общий замысел складываются из всей суммы изменений, превращений и столкновений различных по характеру тем произведения.

Однако если мы будем знакомиться с произведениями нидерландских композиторов, ожидая услышать в них аналогичные темы и того же плана тематическое развитие, что в бетховенских произведениях, нас ждет разочарование. За редкими исключениями, мы не найдем там широких, четко оформлен-

ных запоминающихся мелодий. Часто весь тематизм сводится к небольшим гаммообразным мотивам или к коротким декламационным оборотам, рожденным выразительным произнесением текста. Особенно архаично звучит специфическая для того времени разновидность тематизма – кантус фирмус, несмотря на то, что со времен Дюфаи он вбирал в себя материал бытовавших народных песен. Кантус фирмус помещался, как правило, в одном из «средних» по тесситуре голосов хорового комплекса и не входил в активную зону слухового восприятия, образуемую «крайними» голосами – дискантом и басом. Возможно, здесь сыграло свою роль вполне понятное в век господства католицизма стремление композиторов «спрятать от постороннего глаза» светский музыкальный материал, не соответствовавший тематике литургических жанров. Но и сам материал кантуса фирмуса излагался в чрезвычайно протяженных, более долгих в сравнении с остальными голосами ритмических длительностях, что препятствовало его восприятию как целостного образования.

И все же нидерландцы сделали решительный шаг вперед в становлении тематизма и тематического развития. Вспомним, что в григорианском хорале – официальной форме культовой музыки того времени – все было нацелено на выразительное и ясное произношение текста священного писания. Григорианский хорал был совершенной и в силу этого замкнутой художественной системой. Поэтому в своих новаторских стилевых поисках композиторы могли опереться только на народную песню.

В народной песне различают несколько слоев. Древнейший – это песни, связанные, с языческими представлениями, им свойственны остатки магической функции. Музыкальный язык их складывается из повторения трех-шестизвучной попевки, так называемой формулы. Другой важнейший слой связан со становлением лирической образности. Пути развития различных национальных народно-песенных культур в этом плане смыкались. Суммарное представление об особенностях строения лирической народной песни можно получить и на основе бытующего русского материала. Суть достижений лирической песни в следующем:

музыка ее более не ограничивается повторением – «кружением» первоначальной попевки (формулы). Напротив, открывающий песню мотив выступает в роли своеобразного «тематического зерна», из которого, разрастаясь в вариантном цветении мелодических побегов, возникает целостный музыкальный организм.

Эти «микротемы» – мотивные формулы и их вариантное развитие-«прорастание» нидерландские композиторы заимствовали из богатейшей народно-песенной культуры Нидерландов как основу мелодического мышления, значительно обогатив их в своем творчестве. Однако главным их завоеванием оказалось развитие на этой основе профессионального многоголосия.

Многоголосие зарождалось в народно-песенном музицировании стихийно, чаще всего в результате одновременного исполнения разных вариантов одного и того же напева. В творчестве нидерландских композиторов получил всестороннюю разработку один из главных видов многоголосия – полифонический.

В любом многоголосии на каждый данный момент слуховое восприятие выделяет главный голос, носитель наиболее рельефного по смыслу материала – тематического, остальные голоса так или иначе выполняют роль фона к тематическому рельефу. Если носителем темы является единственно верхний голос, а остальные голоса нивелируются в своем выразительном значении, соединяясь в аккордовые комплексы, то такой тип многоголосия называется гомофонией. Если же любой из голосов многоголосия в любой момент может завладеть тематической инициативой, если, далее, сопровождающие эту тему голоса не теряют своей индивидуальности – тогда мы имеем дело с полифонией. Всесторонняя разработка принципов полифонического развития и составляет основу новаторства нидерландских композиторов.

Завоевание приемов полифонического мышления было событием исключительной важности, оно вполне сопоставимо с переходом от плоскостного изображения в живописи к многоплановому. Полифония – одно из наиболее характерных завоеваний эпохи, философским и эстетическим девизом которой были поиски единства в многообразии все новых научных

и художественных событий, открывающихся сознанию европейцев. Правда, музыка не имела тогда еще возможности своими средствами характеризовать изменяемость текучего потока действительности – это пришло к музыкальному искусству много позже, в эпоху классицизма. Эпоха Возрождения выработала другие выразительные средства, позволяющие отразить в музыке сложность, неоднородность, внутреннюю противоречивость природы (макрокосма) и человеческой души (микрокосма). «Единовременный контраст» параллельно развивающихся самостоятельных мелодических- линий (термин принадлежит советскому музыковеду Т. Н. Ливановой) явился одним из фундаментальных завоеваний нидерландских полифонистов. Отныне музыка, продолжая оставаться в союзе со словом, имела уже свои самостоятельные законы развития, она вырвалась из подчинения.

Самостоятельность музыкального мышления нашла свое отражение в разработке новой системы нотации – мензуральной. До XIII–XIV вв. бытовала так называемая хоральная нотация, позволявшая фиксировать лишь высоту отдельных звуков мелодии. Приемов обозначения длительностей музыкальных звуков не существовало: в них не было необходимости, поскольку ритм напевов григорианских хоралов полностью зависел от стихотворных размеров текста.

Раскрепощение стихии свободного мелодического развития, а также необходимость точной координации единовременного звучания мелодических линий в поли­фоническом многоголосии потребовали точной фиксации длительности музыкальных звуков вне зависимости от метрической структуры словесного текста. Положение осложнялось тем, что композиторы того времени, будучи одновременно руководителями исполнения, не писали партитур и сразу фиксировали свои творения в виде хоровых одноголосных партий.

Как не похожи они на современную нотную запись! Расшифровка их подчиняется ряду забытых ныне правил, и прежде всего знанию соотношения соседних по ряду длительностей нот; этих соотношений было четыре рода, и они назывались «мензурами». Отсюда название новой нотации мензуральная (в отличие от хоральной).

Мензуральная нотация составила основу современного нотного письма. Ее совершенствование основывалось на введении более коротких длительностей (в частности, нот под «ребрами» и с «флажками»), позволявших сделать ритмический рисунок мелодии более наглядным.

Современные издания хоровых партитур классиков полифонии Возрождения как правило пропорционально сокращают все длительности в несколько раз, в результате чего перед нами возникает легко обозримая звуковая картина.

Прежде чем переходить к дальнейшей характеристике представителей нидерландской полифонической школы, необходимо сказать несколько слов об их непосредственном предшественнике – английском композиторе Джоне Данстейбле (1370 или 1380–1453), продолжительное время работавшем на континенте, бывавшем и в музыкальных центрах Нидерландов.

В музыкальной культуре северной Европы Данстейбл явился как бы первой ласточкой «весны Ренессанса». В его творчестве можно уловить первые проблески ренессансного «жизнерадостного свободомыслия» – свидетельством тому его многоголосная обработка итальянской песни «О прекрасная роза» («О rosa bella») с ее нежными, причудливыми гармониями, проникнутыми «северной меланхолией» . Конечно, эти проблески весьма скоро потонут в лучах восходящих светил нидерландской композиторской школы... Но в одной области творчества Данстейбла – формировании развитого хорового многоголосия – его новаторство оказалось решающим.

Творчество Данстейбла явилось настолько важным связующим звеном между «музыкальной готикой» и полифонией эпохи Возрождения, что с XVI века закрепилась легенда о нем как об «изобретателе» полифонии. В действительности полифонический принцип мышления своими истоками коренится в народном музицировании, а перенесение его в область профессиональной музыки началось в период средневековья и заняло несколько веков. Еще в XIV веке во Флоренции, на родине ars nova – итальянского «пред-

Опубл.: Конов В. Нидерландские композиторы XV-XVI веков. Л.: Музыка, 1984.

Послушать что-нибудь из классики – что может быть лучше?! Особенно на выходных, когда хочется расслабиться, забыть о тревогах дня, заботах трудовой недели, помечтать о прекрасном, да и просто поднять себе настроение. Подумать только, классические произведения были созданы гениальными авторами так давно, что и не верится, что что-то может пережить такое количество лет. А эти произведения до сих пор любят и слушают, создают аранжировки и современные интерпретации. Даже в современной обработке, произведения гениальных композиторов остаются классической музыкой. Как признает , классические произведения гениальны, а все гениальное не может быть скучным.

Наверное, все великие композиторы обладают особым слухом, особой чувствительностью к тону и мелодии, что и позволило им создавать музыку, которой наслаждаются десятки поколений не только их соотечественников, но и поклонников классической музыки во всем мире. Если вы еще сомневаетесь, любите ли вы классическую музыку, тогда вам нужно встретиться с , и вы убедитесь, что на самом деле, вы уже давний поклонник прекрасной музыки.

А сегодня мы будем говорить о 10-ке самых известных в мире композиторов.

Иоганн Себастьян Бах

Первое место заслуженно принадлежит . Родился гений в Германии. Талантливейший композитор писал музыку для клавесина и органа. Композитор не создал нового стиля в музыке. Но он смог создать совершенство во всех стилях своего времени. Он является автором более 1000 сочинений. В своих произведениях Бах соединял разные музыкальные стили, с которыми он знакомился в течение жизни. Часто музыкальный романтизм соединялся со стилем барокко. При жизни Иоганн Бах как композитор не получил заслуженного признания, интерес к его музыке возник почти 100 лет спустя его смерти. Сегодня его называют одним из самых великих композиторов когда-либо живущих на земле. Его уникальность как человека, педагога и музыканта отражалась в его музыки. Бах заложил основы музыки Нового и Новейшего времени, разделив историю музыки на добаховскую и послебаховскую. Существует мнение, что музыка Баха мрачна и угрюма. Его музыка скорее фундаментальна и основательна, сдержанна и сосредоточенна. Как размышления зрелого, умудренного жизнью человека. Творчество Баха оказало влияние на многих композиторов. Некоторые из них брали пример с его произведений или использовали темы из них. А музыканты всего мира играют музыку Баха , восхищаясь ее красотой и совершенством. Одно из самых нашумевших произведений – «Брандербургские концерты» – отличное доказательство того, что музыку Баха нельзя считать слишком мрачной:

Вольфганг Амадей Моцарт

По праву считается гением. В 4 года он уже свободно играл на скрипке и клавесине, в 6 лет начал сочинять музыку, а в 7 уже умело импровизировал на клавесине, скрипке и органе, состязаясь с известными музыкантами. Уже в 14 лет Моцарт – признанный композитор, а в 15 лет – член музыкальных академий Болоньи и Вероны. От природы он обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Он создал поразительное количество произведений – 23 оперы, 18 сонат, 23 фортепианных концерта, 41 симфонию и многое другое. Композитор не хотел подражать, он пытался создать новую модель, отражающую новую индивидуальность музыки. Не случайно в Германии музыку Моцарта называют «музыкой души», в своих произведениях композитор проявлял черты своей искренней, любящей натуры. Величайший мелодист особое значение придавал опере. Оперы Моцарта – эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Одно из самых узнаваемых произведений – «Турецкий марш» :

Людвиг ван Бетховен

Еще один великий немец был важной фигурой романтически-классического периода. О нем знают даже те, кто вообще ничего не знает о классической музыке. Бетховен – один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Великий композитор стал свидетелем грандиозных потрясений, произошедших в Европе и перекроивших ее карту. Эти великие перевороты, революции и военные противостояния нашли свое отражение в творчестве композитора, особенно симфоническом. Он воплотил в музыке картины героической борьбы. В бессмертных произведениях Бетховена вы услышите борьбу за свободу и братство людей, непоколебимую веру в победу света над мраком, а также мечты о свободе и счастье человечества. Один из самых известных и удивительных фактов его жизни – болезнь ушей переросла в полную глухоту, но несмотря на это композитор продолжал писать музыку. Он также считался одним из лучших пианистов. Музыка Бетховена удивительно проста и доступна пониманию самых широких кругов слушателей. Сменяются поколения, и даже эпохи, а музыка Бетховена по-прежнему волнует и радует сердца людей. Одна из его лучших работ – «Лунная соната» :

Ричард Вагнер

С именем великого Ричарда Вагнера чаще всего связывают его шедевры «Свадебный хор» или «Полет валькирий» . Но он известен не только как композитор, но и как философ. Вагнер рассматривал свои музыкальные произведения как способ выражения определенной философской концепции. С Вагнера началась новая музыкальная эпоха опер. Композитор старался приблизить оперу к жизни, музыка для него – только средство. Ричард Вагнер – создатель музыкальной драмы, реформатор опер и искусства дирижирования, новатор гармонического и мелодического языка музыки, создатель новых форм музыкальной выразительности. Вагнер – автор самой длинной в мире сольной арии (14 минут 46 секунд) и самой длинной в мире классической оперы (5 часов и 15 минут). При жизни Ричард Вагнер считался противоречивым человеком, которого или обожали, или ненавидели. А зачастую и то, и другое вместе. Мистический символизм и антисемитизм сделали его любимым композитором Гитлера, но закрыли дорогу для его музыки в Израиль. Однако ни сторонники, ни противники композитора не отрицают его величия как композитора. С первых же нот замечательная музыка Ричарда Вагнера поглощает тебя без остатка, не оставляя места для споров и разногласий:

Франц Шуберт

Австрийский композитор – музыкальный гений, один из лучших песенных композиторов. Ему было всего 17, когда он написал свою первую песню. За один день он мог написать 8 песен. За свою творческую жизнь он создал более 600 композиций, на стихи более 100 великих поэтов, в том числе Гёте, Шиллера и Шекспира. Поэтому Франц Шуберт в 10-ке лучших. Хотя творчество Шуберта весьма многообразно, по использованию жанров, идей и перевоплощений, преобладающим и определяющим в его музыке является вокально-песенная лирика. До Шуберта песня считалась незначительным жанром, и именно он возвел ее в степень художественного совершенства. Более того, он соединил, казалось бы, не соединяемое, песню и камерно-симфоническую музыку, что дало начало новому направлению лирико-романтической симфонии. Вокально-песенная лирика – это мир простых и глубоких, тончайших и даже интимных человеческих переживаний, выраженный не словом, а звуком. Франц Шуберт прожил очень короткую жизнь, всего 31 год. Судьба произведений композитора не менее трагична, чем его жизнь. После смерти Шуберта осталось множество неизданных рукописей, хранившихся в книжных шкафах и ящиках родственников и друзей. Даже самые близкие люди не знали всего, что он написал, и на протяжении долгих лет его признавали в основном лишь как короля песни. Некоторые произведения композитора вышли в свет лишь через полвека после его кончины. Одно из самых любимых и известных произведений Франца Шуберта – «Вечерняя серенада» :

Роберт Шуман

С не менее трагичной судьбой немецкий композитор – один из лучших композиторов романтической эры. Он создавал удивительную по красоте музыку. Чтобы получить представление о немецком романтизме XIX века, достаточно послушать «Карнавал» Роберта Шумана . Он смог вырваться из музыкальных традиций классической эры, создав свою интерпретацию романтического стиля. Роберт Шуман был одарен многими талантами, и даже долгое время не мог определиться между музыкой, поэзией, публицистикой и филологией (он был полиглотом и свободно переводил с английского, французского и итальянского). Он также был потрясающим пианистом. И все же главным призванием и страстью Шумана была музыка. В его поэтичной и глубоко-психологичной музыке музыке во многом отражается двойственность натуры композитора, порыв страсти и уход в мир грез, осознание пошлой действительности и стремление к идеалу. Один из шедевров Роберта Шумана , который просто обязан услышать каждый:

Фредерик Шопен

Пожалуй, самый знаменитый поляк в мире музыке. Ни до, ни после композитора не рождался музыкальный гений такого уровня в Польше. Поляки невероятно гордятся своим великим соотечественником, да и в своем творчестве клмпозитор не раз воспевает родину, восхищается красотой пейзажей, сокрушается о трагическом прошлом, мечтает о великом будущем. Фредерик Шопен – один из немногих композиторов, который писал музыку исключительно для фортепиано. В его творческом наследии нет ни опер, ни симфоний, а вот фортепианные пьесы представлены во всем многообразии. Его произведения – основа репертуара многих известных пианистов. Фредерик Шопен – польский композитор, который также известен как талантливый пианист. Он прожил всего 39 лет, но успел создать немало шедевров: баллады, прелюдии, вальсы, мазурки, ноктюрны, полонезы, этюды, сонаты и многое-многое другое. Одно из них – «Баллада №1, соль минор» .

Ференц Лист

Является одним из величайших композиторов мира. Он прожил относительно долгую и удивительно насыщенную жизнь, познал нищету и богатство, встретил любовь и столкнулся с презрением. Кроме таланта от рождения он обладал фантастической работоспособностью. Ференц Лист заслужил не только восхищение знатоков и поклонников музыки. И как композитор, и как пианист он получил всеобщее одобрение европейских критиков XIX столетия. Он создал более 1300 произведений и подобно Фредерику Шопену отдавал предпочтение произведениям для фортепиано. Блестящий пианист, Ференц Лист умел воспроизводить на рояле звучание целого оркестра, мастерски импровизировал, обладал фантастической памятью музыкальных композиций, ему не было равных в чтении нот с листа. У него был патетический стиль исполнения, что также отразилось на его музыке, эмоционально-страстной и героически-приподнятой, создающей красочные музыкальные картины и производящие неизгладимое впечатление на слушателей. Визитной карточкой композитора являются концерты для фортепиано. Одно из таких произведений . А одно из наиболее известных произведений Листа – «Грезы любви» :

Иоганнес Брамс

Значительной фигурой романтического периода в музыке является Иоганнес Брамс . Слушать и любить музыку Брамса считается хорошим вкусом и характерным признаком романтичной натуры. Брамс не написал ни одной оперы, однако он создал произведения во всех других жанрах. Особенную славу Брамсу принесли его симфонии. Уже в первых произведениях проявляется самобытность композитора, которая со временем преобразилась в собственный стиль. Если рассмотреть все произведения Брамса , нельзя сказать, что на композитора сильно оказывало влияние творчество его предшественников или современников. А по масштабу творчества Брамса часто сравнивают с Бахом и Бетховеном . Наверное, это сравнение оправдано в том смысле, что творчество трех великих немцев представляют собой кульминацию целой эпохи в истории музыки. В отличие от Ференца Листа жизнь Иоганнеса Брамса была лишена бурных событий. Он предпочитал спокойное творчество, при жизни заслужил признание своего таланта и всеобщее уважение, а также был удостоен немалых почестей. Самой выдающейся музыкой, в которой творческая сила Брамса сказалась особенно ярко и оригинально, является его «Немецкий реквием» , произведение, которое автор создавал целых 10 лет и посвятил своей матери. В своей музыке Брамс воспевает вечные ценности человеческой жизни, которые заключаются в красоте природы, искусстве великих талантов прошлого, культуре своей родины.

Джузеппе Верди

Какая десятка лучших композиторов без ?! Итальянский композитор известен прежде всего своими операми. Он стал национальной славой Италии, его творчество является кульминацией развития итальянской оперы. Его достижения и заслуги как композитора нельзя переоценить. Его произведения до сих пор, спустя столетие после смерти автора, остаются наиболее популярными, повсеместно исполняемыми, известными как знатокам, так и любителям классической музыки.

Для Верди самым главным в опере стала драма. В созданных композитором музыкальных образах Риголетто, Аиды, Виолетты, Дездемоны органично сочетаются яркий мелодизм и глубина героев, демократичность и изысканность музыкальных характеристик, неистовые страсти и светлые мечты. Верди был настоящим психологом в понимании человеческих страстей. Его музыка – это благородство и мощь, удивительная красота и гармония, невыразимо красивые мелодии, прекрасные арии и дуэты. Страсти кипят, комедия и трагедия переплетаются и сливаются вместе. Сюжеты опер, по признанию самого Верди , должны быть «оригинальными, интересными и… страстными, при этом страсти превыше всего остального». И большинство его работ серьезны и трагичны, демонстрируют эмоциональные драматические ситуации, и музыка великого Верди придает выразительность происходящему и подчеркивает акценты ситуации. Вобрав все лучшее, что было достигнуто итальянской оперной школой, он не отрицал оперных традиций, а реформировал итальянскую оперу, наполнил ее реализмом, придал ей единство целого. При этом не заявлял о своей реформе, не писал статей об этом, а просто писал оперы по-новому. Триумфальное шествие одного из шедевров Верди – оперы – пронеслось по итальянским сценам и продолжилось в Европе, а также в России и Америке, заставив даже скептиков признать талант великого композитора.

10-ка самых известных композиторов в мире обновлено: Ноябрь 25, 2017 автором: Елена

Harpsichord Suite No.5 in D minor

Основные сведения

Музыкант, исполняющий музыкальные произведения как на клавесине, так и на его разновидностях называется клавесинистом .

Происхождение

Самое раннее упоминание инструмента типа клавесина фигурирует в источнике 1397 года из Падуи (Италия), самое раннее известное изображение — на алтаре в Миндене (1425 год). Как солирующий инструмент клавесин сохранялся в обиходе до конца XVIII века. Несколько дольше он использовался для исполнения цифрованного баса, для сопровождения речитативов в операх. Около 1810 года практически вышел из употребления. Возрождение культуры игры на клавесине началось на рубеже XIX-XX веках.

Клавесины XV века не сохранились. Судя по изображениям, это были короткие инструменты с грузным корпусом. Большинство сохранившихся клавесинов XVI века были изготовлены в Италии, где главным центром их производства была Венеция.

Они имели 8` регистр (реже два регистра 8` и 4`), отличались изяществом. Их корпус изготовлялся чаще всего из кипариса. Атака на этих клавесинах была отчетливее, а звук — более отрывистым, чем у позднейших фламандских инструментов.

Важнейшим центром производства клавесинов в Северной Европе был Антверпен, где с 1579 года работали представители семьи Рукерс. Их клавесины имеют более длинные струны и более тяжеловесный корпус, чем итальянские инструменты. С 1590-х в Антверпене производились клавесины с двумя мануалами. Французские, английские, немецкие клавесины XVII века сочетают в себе признаки фламадских и нидерландских моделей.

Сохранились некоторые французские двухмануальные клавесины с корпусом из орехового дерева. С 1690-х во Франции производились клавесины того же типа, что и инструменты фирмы Рукерс. Среди французских клавесинных мастеров выделялась династия Бланше. В 1766 году мастерскую Бланше унаследовал Таскин.

Наиболее значительными английскими производителями клавесинов в XVIII веке были Шуди и семья Киркман. Их инструменты имели облицованный фанерой дубовый корпус и отличались сильным звуком богатого тембра. В Германии XVIII века основным центром производства клавесинов был Гамбург; среди изготовленных в этом городе инструменты с 2` и 16` регистрами, а так же с 3 мануалами. Необычно длинная модель клавесина была разработана Й.Д.Дюлкеном, ведущим нидерландским мастером XVIII века.

Во 2-й половине XVIII века клавесин стал вытесняться фортепиано . Около 1809 фирма Киркман выпустила свой последний клавесин. Инициатором возрождения инструмента стал А.Долмеч. Свой первый клавесин он построил в 1896 в Лондоне и вкоре открыл мастерские в Бостоне, Париже, Хейслмире.

Выпуск клавесинов наладили так же парижские фирмы Плейель и Эрар. Плейель начала производить модель клавесина с металлической рамой, несущей толстые, туго натянутые струны; на инструментах этого типа Ванда Ландовска воспитала целое поколение клавесинистов. Бостонские мастера Фрэнк Хаббард (Hubbard) и Уильям Дайд (Dowd) первыми начали копировать старинные клавесины.

Устройство

Имеет форму продолговатого треугольника. Его струны расположены горизонтально, параллельно клавишам.

На конце каждой клавиши стоит толкачик (или прыгун). На верхнем конце толкачика лангетта в которой закреплен плектр (язычок) из пера (на многих современных инструментах — из пластмассы), чуть выше плектра — демпфер из войлока или мягкой кожи. При нажатии клавиши толкачик поднимается, плектр защипывает струну. Если клавишу отпустить, освобождающий механизм позволит плектру вернуться на место под струну без повтороного защипывания струны. Вибрация струны заглушается демпфером.

Для регистровки, т.е. изменения силы и тембра звука, используются ручные и ножные переключатели. Плавное увеличение и уменьшение громкости на клавесине невозможно. В XV веке диапазон клавесина составлял 3 октавы (в нижней октаве некоторые хроматические ноты отсутствовали); в XVI веке он расширился до 4 октав (C — c«`), в XVIII веке до 5 октав (F` — f«`).

Типичный немецкий или нидерландский клавесин XVIII века имеет 2 мануала (клавиатуры), 2 набора струн 8` и один набор струн 4`(звучащих октавой выше), которые могут использоваться по отдельности или совместно, а так же механизм копуляции мануалов. Ножные и коленные переключатели регистров появились в конце 1750-х. У большинства инструментов есть т.н. лютневый регистр характерного носового тембра (для его получения струны с помощью специального механизма немного приглушаются кочками кожи или войлока).

Агостино Агаццари (Agostino Agazzari) (02.12.1578 - 10.04.1640) - итальянский композитор и музыкальный теоретик.

Агаццари родился в Сиене в аристократической семье и с детства получил хорошее образование. В 1600 он издал в Венеции две книги своих мадригалов. В 1601 Агаццари переехал в Рим и стал преподавателем в Германо-венгерской коллегии (семинарии).

Адриано Банкьери (Adriano Banchieri) (03.09.1568 - 1634) - итальянский композитор, музыкальный теоретик, органист и поэт позднего Возрождения и раннего Барокко. Один из основателей "Академии деи Флориди" в Болонье - одной из ведущих итальянских музыкальных академий XVII века.

Алессандро Гранди (де Гранди) (Alessandro Grandi) (1586 - лето 1630) - итальянский композитор эпохи раннего Барокко, писал в новом стиле кончертато. Он был популярным композитором северной Италии того времени, известным своей церковной музыкой, светскими кантатами и ариями.

Альфонсо Фонтанелли (Alfonso Fontanelli) (15.02.1557 - 11.02.1622) - итальянский композитор, писатель, дипломат, придворный аристократ позднего Возрождения и раннего Барокко. Один из ведущих представителей Феррарской школы искусств конца 16 века, один из первых композиторов в стиле "Вторая практика" при переходе к эпохе Барокко.

Антонио Чести (Antonio Cesti) (крещён 5 августа 1623 - 14 октября 1669) - итальянский композитор эпохи Барокко, певец (тенор) и органист. Один из самых известных итальянских композиторов своего времени, в основном сочинял оперы и кантаты.

Джироламо Фрескобальди (Girolamo Frescobaldi) (13.09.1583 - 01.03.1643) - итальянский композитор, музыкант, педагог. Один из самых важных композиторов органной музыки позднего Ренессанса и раннего Барокко. Его работы являются кульминацией в развитии органной музыки 17-го века, они повлияли на многих крупных композиторов, в их числе , Иоганн Себастьян Бах, Генри Пёрселл и другие, вплоть до конца 19-го века.

Джованни Бассано (Giovanni Bassano) (ок. 1558 - лето 1617) - итальянский композитор и корнеттист (корнетт - старинный духовой деревянный инструмент) Венецианской школы раннего Барокко. Был ключевой фигурой в развитии инструментального ансамбля в соборе Святого Марка (самый известный собор Венеции). Составил подробную книгу об инструментальной орнаментике, которая является богатым источником для исследований в современной практике исполнения.

Джованни Баттиста Риччио (Джамбаттиста Риччио) (Giovanni Battista Riccio) (ум. после 1621) - итальянский комозитор и музыкант раннего Барокко, работал в Венеции, внес заметный вклад в развитие инструментальных форм, особенно для блок-флейты.