Символизм в русском искусстве. Символизм как художественная тенденция в русском изобразительном искусстве. Понятие символа и его значение для символизма

Символизм - идеалистическое литературно-художественное направление в искусстве второй половины XIX в. Сам термин «символизм» идет от греческого слова simbolon - знак. В этом необычном искусстве выразилось разочарование части европейской интеллигенции в современной действительности, страх перед миром шагающей вперед науки и техники, где нет места духовным идеалам ушедших эпох. Эти настроения вылились в полную пессимизма и ностальгических обращений к прошлому живопись художников-символистов.

Идеи и принципы символизма были провозглашены французским поэтом Шарлем Бодлером, считавшим, что реальность в искусстве должна выражаться посредством символов. По теории Бодлера художественные средства (краски, линии и т. п.), применяемые живописцами, - условные знаки, с помощью которых мастер может передать свои мысли, чувства и настроения. Символизм в изобразительном искусстве опирался на литературный и живописный романтизм (особенно немецкий с его страстью ко всему таинственному и мистическому).

Художественные средства символисты заимствовали из официального, академического искусства (строгость композиционного построения, четкость линий) или модерна (плоскостная композиция, декоративность, изощренность контуров, выгтянутость фигур).

Близка символизму мечтательная живопись романтиков Ф. О. Рунге и К. Д. Фридриха, искусство прерафаэлитов, графика О. Бёрдсли.

Символизм во Франции, очень разнообразным по формам выражения, представлен в утонченных произведениях Г. Моро,
в мистической живописи и графике О. Редона, в гармоничных и спокойных композициях П. Пюви де Шаванна, в пронизанных чувствами любви и дружбы работах Э. Каррьера.

Крупнейшими художниками-символистами были: в Германии - М. Клингер, в Швейцарии - А. Бёклин и Ф. Ходлер, в Бельгии - Дж. Энсор, в Голландии - Я. Тоороп.

Гюстав Моро

Французский художник Гюстав Моро родился в 1826 г. В его раннем творчестве заметно влияние таких художников, как Т. Шассерио, Ж. О. Д. Энгр, Э. Делакруа. В 1857-1859 гг. художник посетил Италию, где большое впечатление на него произвело искусство мастеров болонской школы. Моро подолгу копировал произведения итальянских художников, что не могло в какой-то мере не отразиться на его стиле. В то же время яркий колорит картин Моро, глубокий драматизм и живость образов идут от искусства Т. Шассерио и Э. Делакруа, а изысканность линий и ясность композиционного строя - от живописи Ж. О. Д. Энгра.

Моро использовал для своих картин мифологические и библейские сюжеты (акварель «Ночь»; «Гесиод и Муза», 1891). Нередко в его живописи появляются необычные образы, навеянные античными легендами или восточными сказаниями («Химеры», 1884).

С начала 1850-х гг. Моро постоянно выставляет картины в Салоне, но популярность приходит к нему лишь в 1860-е гг., после возвращения из Италии. Публика быта в восторге от показанных в Салоне в 18 64 и 1865 гг. композиций Моро «Эдип и Сфинкс», «Юноша и смерть» и «Язон и Медея».

«Эдип и Сфинкс» - одна из самых интересных работ Моро. Сюжет для картины художник заимствовал у Энгра, написавшего полотно с таким же названием. В то же время Моро трактует эту тему несколько по-иному. Если в произведении Энгра зритель видит полную динамики борьбу человека с фантастическим чудовищем, то в композиции Моро герой как будто сливается со Сфинксом в любовном объятии. Истолковать это произведение можно по-разному. Возможно, при создании картины художник хотел показать борьбу человека с собственными темными инстинктами или пытался разгадать какую-то загадку природы. А может быть, ее центральная мысль - это неотвратимость смерти, которой не могут противостоять ни слава, ни власть, ни богатство. Ну и конечно же, в композиции Моро нашла отражение тема борьбы добра и зла, которое олицетворяет женщина-сфинкс, лицо которой привлекает взгляд зрителя своей порочной красотой. Позднее эта идея в творчестве художников-экспрессионистов будет воплощена в образе роковой женщины.

Во второй половине 1870-х гг. живопись Моро становится несколько иной. Теперь его художественная манера более свободна, чем прежде. Композиционным строй усложняется, а цветовая гамма насыщается новыми оттенками. К мифологическим персонажам в картинах присоединяются образы, созданные фантазией художника.

Работы Моро этого периода отличаются тщательной проработкой деталей, богатством и звучностью колорита. Так же красочны и акварели, выразительность которых подчеркивается эффектами света и тени («Мертвым поэт и Кентавр»). Герои произведений Моро неподвижны и молчаливы, кажется, что они спят или погружены в транс. Персонажи картин не живут своей жизнью, они лишь дополняют таинственный и странный пейзаж, похожий на яркое декоративное панно, узоры для которого художник брал из журналов, книг и альбомов по орнаментальному искусству.

В таком ключе исполнена и известная картина Моро «Единороги» (ок. 1885), написанная по мотивам шпалеры 15 столетия. Глядя на это полотно, зритель наблюдает как будто растворяющиеся в пейзажном фоне фигуры женщин и необычных животных. Природа, окружающая людей и единорогов, - это красочный, изысканный орнамент, при создании которого Моро использовал иллюстрации из ежегодного издания «Magasin pittoresque» и двухтомника «Неизданные французские памятники».

Так же фантастичен и подводный мир морских растений и животных в картине «Галатея» (1880), изображающей чувственно-красивую женщцну-нереиду в глубинах моря.

Палитра художника богата разнообразными оттенками. Нередко мерцающие краски его композиций вызывают чувство тревоги, необъяснимого беспокойства. Такое ощущение создает сияющая золотом цветовая гамма картины «Танец Саломеи» (1876).

Иногда Моро использует в одной картине мотивы из разных мифологических контекстов. Например, в композиции «Орфей» (1865) он изобразил юную фракийскую девушку, печально глядящую на лиру с мертвой головой Орфея. Фантазия художника помещает героев в самые разные ситуации: его прекрасная Елена печально стоит над развалинами Трои или парит над миром мертвых и живых.

Среди работ Моро несколько картин, посвященных танцующей Саломее. В полотне «Явление» (ок. 1875) перед кружащейся в танце девушкой появляется отрубленная голова Иоанна Крестителя. Яркое сияние, исходящее от нее, символизирует конечное торжество добра и справедливости. Древний миф и фантазия автора переплетаются во многих произведениях Моро («Пери», 1865).

Одним из самых значительных произведений Моро стала большая композиция «Юпитер и Семела» (1894-1895). В основу картины положен древнеримский миф. Ревнивая жена Юпитера, Юнона, уговорила Семелу, ожидавшую от него ребенка, попросить бога показаться ей в своем настоящем обличье. Юпитеру, поклявшемуся ранее выполнить любое желание Семелы, пришлось исполнить просьбу своей возлюбленной. Он появился перед ней, сверкая молниями, убившими Семелу. Перед смертью она родила ребенка, ставшего богом виноделия Бахусом (у греков - Дионис).

В своей картине Моро придает античному мифу мистическое звучание, изобразив под троном Юпитера, скорбящего над телом возлюбленной, страшным чудовищ, символизирующих ночной мрак. У подножия трона сидит печальным Фавн (в греческой мифологии - Пан), воплощающий мощь земли, а также мрачные фигуры, олицетворяющие Страдание и Смерть.

Произведения Моро многозначны и недосказанны, кажется, что в них присутствует какая-то тайна, которую автор скрыл от зрителя. Фантазия художника, рождающая странные фигуры, сливающиеся с декоративным орнаментом фона, делает его композиции мрачными и пугающими.

Перед созданием своих живописным композиций Моро почти всегда делал карандашные наброски, зарисовки, масляные или акварельные эскизы. Его акварели, изображающие мрачные замки, величественные скалы, экзотические цветы и растения, поражают свободой исполнения, живостью и звучностью красок.

Акварель занимала важное место в творчестве Моро. Художник использовал ее не только для предварительных: набросков, но и для законченных, больших композиций. В этих произведениях ему удавалось передать блеск драгоценностей, фактуру тканей, самые тонкие световые и цветовые рефлексы. Фигуры на акварелях кажутся удивительно воздушными и невесомыми, пейзажи - радужными и сияющими.

В последние годы жизни художник полностью погрузился в мир фантазии. Он редко выходил из дома и занимался
тем, что по многу раз переписывал свои работы, вводя в уже законченные композиции новые детали и образы.

Умер Моро в 1898 г. Его искусство оказало большое влияние на французских художников. Из мастерской Моро вышли символист О. Редон, фовисты А. Матисс и А. Марке. Таинственными картинами и акварелями Моро восхищались художники-сюрреалисты.

Пьер Пюви де Шаванн

Французский художник Пьер Пюви де Шаванн родился в 1824 г. в Лионе в обеспеченной семье горного инженера. Как и его отец, Пюви де Шаванн собирался посвятить свою жизнь естественным наукам. Поездки в Италию в 1847 и 1848 гг. круто изменили его жизнь. Вернувшись на родину, Пюви де Шаванн увлекся живописью. Он учился сначала у А. Шеффера, затем - у Э. Делакруа, а позднее у Т. Кутюра и Т. Шассерио.

Хотя в 1850 г. Пюви де Шаванн выставил свои картины в Салоне, позднее, вплоть до 1859 г., жюри Салона отказывалось принимать его работы.

В 1854 г. Пюви де Шаванн расписывал стены дома своего брата («Времена года», «Возвращение блудного сына»). В 1861 г. он получил в Салоне медаль за монументальные композиции «Война» и «Мир», которые принесли художнику известность.

Большой интерес представляют две картины, созданные Пюви де Шаванном в годы франко-прусской войны - «Воздушным шар» (1870) и «Почтовый голубь» (1871). В основу произведений были положены реальные события: в то время голуби и воздушные шары были единственным средством связи осажденного Парижа с внешним миром. Несмотря на реальность сюжета, художник создает явно аллегорические произведения. В обеих картинах центральное место занимает фигура женщины в черном платье. Соотечественники увидели в этом образе олицетворение Парижа, сопротивляющегося прусским захватчикам, символом которым стал орел, угрожающий маленькому голубю в композиции «Почтовым голубь».

Символична и луврская картина «Надежда», написанная Пюви де Шаванном в 1871 г. Годом позднее художник выполнил второй вариант этого произведения, ныше хранящийся в галерее Уолтерса в Балтиморе. На полотне изображена юная девушка, сидящая на камнях. В ее руке - оливковая ветвь - символ мира. Пейзаж за спиной девушки уныл и мрачен. Ее окружают развалины и могильные памятники, среди которым кое-где пробиваются скромные цветы, возвещающие приближение весны и возрождение новой жизни.

Эта сентиментальная композиция была с интересом встречена соотечественниками художника, которые увидели в ней надежду на будущее процветание их родины.

Как и другие художники-символисты, Пюви де Шаванн обращается к мотиву смерти. Ярким примером этого стала картина «Девушки и смерть» («Жнец)», написанная в 1872 г. На полотне изображена стайка веселых девушек, собирающих цветы или танцующих. И лишь одна из них печальна, словно увидела притаившуюся в скошенной траве
Смерть с косой. Картину пронизывает мысль о скоротечности земного бытия и недолговечности счастья.

Важное место в творчестве Пюви де Шаванна занимают монументальные работы. В 1869 г. он пишет две композиции для
дворца Лоншан в Марселе - «Марсель - врата на Восток» и «Массилия - греческая колония».

В 1870-е гг. художник создает монументальное полотно на исторический сюжет для ратуши в Пуатье и цикл картин для парижского Пантеона, представляющих эпизоды из жизнеописания Св. Женевьевы. В этих работах Пюви де Шаванн использует традиции фресковой живописи Раннего Возрождения. Эти произведения мастера отличаются ясностью форм и гармоничностью цветовой гаммы. Тональность своих работ художник старается соотнести с цветом стены, на которой они будут располагаться его картины. Композиционный строй этих панно он также подчиняет плоскости стены.

Стремясь передать в своей живописи гармонию окружающего мира, Пюви де Шаванн обращается к искусству античности. Человеческие фигуры на картинах статичны, они как будто погружены в собственные мысли и сливаются с природой в единое целое. Ярким примером этого является декоративная композиция «Видение античности. Символ формы» (ок. 1887-1890). Художник обращается к золотому веку человечества, той эпохе, когда люди жили в согласии друг с другом и окружающим их миром животных и растений. Золотой век - это удивительно прекрасное царство разума, добра и справедливости. В нем нет места злобе, жестокости, отрицательным эмоциям. Ощущение покоя и тишины передают в картине выдержанная в спокойных и светлых оттенках цветовая гамма, величественный пейзаж, совершенные фигуры людей. В «Видении античности» нет никакого действия: герои кажутся неподвижными, они любуются красотой природы или мечтают.

В такой же манере исполнено декоративное панно «Священная роща, возлюбленная искусствами и музами» (1884-1889), предназначенное для лионского Дворца искусств. Основная мысль этой композиции - неразрывная связь наук и искусств. Центральное место в картине занимают аллегорические фигуры, олицетворяющие Живопись, Архитектуру, Скульптуру. Рядом стоят музы - Полигимния, Клио, Каллиопа. Недалеко от них, на берегу - Талия и Терпсихора, кружащаяся в танце. В воздухе застыти Эвтерпа и Эрато. Погружены в собственные мысли Мельпомена и Урания, сидящие у озера. Все в картине кажется застывшим: в Священной роще нет действия, отсутствует и время. Неподвижны не только музы, но и природа, окружающая их. Спокойна гладкая поверхность озера, не шелохнется ни один листочек на дереве. Все погружено в тишину: искусство и наука не терпят суеты и шума. Музы и лицом и фигурой похожи одна на другую (вероятно, Пюви де Шаванн писал их с одной модели).

В таком же ключе написаны и другие монументальные композиции художника (декоративные росписи для ратуши в Париже и панно для Публичной библиотеки в Бостоне).

Тема союза наук и искусств была продолжена в панно, получившем название «Между искусством и природой» (1888-1891), предназначенном для музея в Руане. Создавая картину, художник отказался от стилизации античности, свойственной «Священной роще». На полотне изображены одетые в современные одежды люди, занимающиеся живописью, археологическими раскопками, изготовлением керамики, или просто любующиеся природой, в которой зритель может узнать реальным французский пейзаж - холм Босенкур, с которого открывается прекрасным вид на Сену.

Интересно полотно Пюви де Шаванна «Бедным рыбак» (1881), вызвавшее множество споров среди современников художника. Герои картины кажутся разобщенными, как будто ничто не связывает их. Худой рыбак погружен в свои мрачные мысли, его дочь беззаботно собирает цветы на берегу, а крошечный ребенок, одинокий и беспомощный, лежит среди прибрежной травы. Печалью и одиночеством веет от унылого пейзажа: пустынного берега и гладкой речной поверхности. Ландшафт играет в полотне значительную роль - если поза рыбака сдержанно передает его эмоции, то картина природы полностью раскрывает владеющие человеком чувства и тягостные мысли.

Нередко живопись Пюви де Шаванна кажется непонятной и загадочной. Такова его известная картина «Девушки у моря» (1879). Образам девушек, расположившихся на берегу моря, свойственна многозначность: зрители и искусствоведы гадают, кого же изобразил художник - своих современниц, купающихся в море, прекрасных греческих богинь или морских сирен, заманивающих сладкозвучным пением простодушных моряков. Светлые, почти прозрачные
тела девушек, их контуры, как будто растворяющиеся в пейзажном фоне, делают изображение похожим на зыбкий и трепетный мираж.

Полна символики картина «Сон» (1883), навеянная старинной легендой. Сюжет композиции таков: к уснувшему страннику явились Богатство с золотыми монетами, Слава с лавровым венком, Любовь с лепестками роз. Герой должен сделать свой выбор, но он, погруженным в глубокий сон, бездействует. Так проблему выбора решает большинство художников-символистов. Состояние сна, отрешенности от действительности в их картинах является воплощением мечты об утраченных идеалах прошлого.

Пюви де Шаванн скончался в Париже в 1898 г.

Одилон Редон

Французский художник, живописец, рисовальщик и гравер Одилон Редон родился в 1840 г. Он обучался архитектуре в Париже (курса не окончил), затем в Бордо посещал Школу скульптуры, а в начале 1860-х гг. занимался в парижской мастерской Жерома. Его художественным стиль сформировался под влиянием искусства Леонардо да Винчи, Э. Делакруа, Ф. Гойи.

Большую роль в формировании творческого метода Редона сыграло знакомство с Арманом Клаво, ботаником по профессии. Клаво, имевший огромную библиотеку, познакомил молодого художника с произведениями Г. Флобера, Ш. Бодлера, Э. По, с немецкими философскими системами, индийской поэзией, а главное - с удивительным и прекрасным миром растений.

В 1863 г. произошло знакомство Редона с гравером Родольфом Бреденом, создававшим маленькие, напоминающие миниатюры, офорты с изображениями деревьев, фантастических растений, экзотических цветов и человеческих фигур. Эти наполненные мистицизмом произведения Бредена так увлекли Редона, что он поступил в мастерскую гравера и освоил под руководством своего учителя технику гравюры на металле и литографии.

В эти годы Редон пишет углем и занимается черно-белой литографией. В 1870-е гг. он посетил Голландию, где изучал творчество великого Рембрандта. В 1878 г., вернувшись во Францию, он предстает зрелым мастером, имеющим свой собственный, неповторимый художественным стиль.

В 1880-х гг. Редон создает несколько литографических альбомов («В мечте», 1879; «Эдгару По», 1882; «Истоки», 1883; «Памяти Гойи», 1885; «Ночь», 1886; «Гюставу Флоберу», 1889; «Цветы зла», 1890; «Сновидения», 1891). Художник не стремится передать реальную действительность, поэтому он почти не использует цвет, главное средство выразительности для него - линия, свет и тень.

Персонажи, наполняющие работы Редона, характерны для искусства символистов: скелеты, страшные демоны, падшие ангелы и очаровательные женщины. Вместе с ними в произведениях художника живут странные образы, рожденные его воображением. Это удивительное растение с человеческой головой или глазом, игрок, на плечах которого лежит огромная игральная кость - символ пагубной страсти, призрачно-бледные фантомы, чудовищные животные и цветы («Болотный цветок»). Наиболее часто встречающиеся в творчестве Редона символы - свет, глаз, человеческая голова как воплощение души, растение - знак жизни («Профиль света», 1881-1886; «Глаз с цветком мака», 1892).

Очень часто причудливая фантазия в произведениях Редона переплетается с реальностью (литография «Улыбающийся паук», 1881). Многие образы, несмотря на их странный или устрашающий вид, кажутся удивительно живыми.

При выполнении своих рисунков и литографий Редон часто обращался к библейским и мифологическим сюжетам, которые
могли соединяться в одном произведении. Например при создании рисунка «Голова мученика» (ок. 1894) художник использовал миф о смерти Орфея и евангельский мотив об Иоанне Крестителе.

Отрубленная голова пророка в этом произведении является символом бессмертия человеческой души, а также жертвенности.

Ярким примером объединения разных мотивов стал рисунок «Ворон» (1882), навеянный старинными легендами и стихотворением Эдгара По. В литографии «Книжник» (1892) образ гравера Бредена напоминает доктора Фауста.

Очень часто Редон заменял названия своих литографий краткими подписями, которые не всегда разъясняли, что хотел показать художник. Эти странные подписи: «Под крылом тени черное существо совершило тайный укус», «Стена открывается, и появляется череп», «Глаз, подобно странному шару, поднимается в бесконечность» заставляют зрителя бесконечно долго разгадывать тайну, рожденную изощренной фантазией автора.

Образ мирового зла преобладает в произведениях Редона, но в то же время во многих его графических работах, исполненных в конце XIX в., встречаются светлые фигуры молодых женщин, детей, стариков. Есть в них и образы, навеянные прекрасной музыкой Вагнера. Их одухотворенность и чистота передается художником с помощью утонченных и изящных линий, ярких потоков света.

Творчество Редона долго не имело успеха у современников. Его выставки в 1881 и в 1882 гг. прошли
незамеченными. Слава к художнику пришла только после выставки, организованной в 1886 г. «Обще-
ством двадцати», объединением, в которое кроме Редона вошли такие известные мастера, как В. Ван Гог, П. Гоген, Ж. Сёра, Дж. Энсор, Дж. Уистлер, Я. Тоороп, Л. Анкетен.

В технике черно-белой графики выполнены в начале XX в. портреты друзей Редона - художников П. Серюзье, П. Боннара, Э. Вюйара, М. Дени. В этот период Редон начинает писать пастелью и маслом. Он расписывает стены монастырей и особняков, выполняет картоны для гобеленов. Хотя в его творчестве большое место по-прежнему занимают мотивы мирового зла, во многих картинах появляются образы, не свойственные его ранним произведениям: погруженный в самосозерцание Будда, страдающий Иисус Христос, погибший Орфей и рождающаяся из морской пены Венера.

В живописи Редона присутствует свойственная творчеству большинства символистов отстраненность человека от окружающей его действительности. В картине «Закрытые глаза» (1890) молодая женщина, словно в воду, погружена в собственные мысли. Негромкая цветовая гамма сближает это произведение Редона с его графикой.

Та же отрешенность от жизни присутствует и в пастельной работе мастера «Размышление» (1893). Художник изобразил на фоне блекло-серой, пустынной земли задумавшегося о чем-то человека. Ярко-синее небо над его головой символизирует глубину и напряженность мысли героя.

Так же молчалив и далек от всего земного персонаж в картине «Будда» (ок. 1905). Ощущение отчуждения от реальности погруженного в нирвану Будды усиливает похожий на мираж призрачный пейзаж.

В 1895-1899 гг. материальные проблемы в жизни Редона, а также затянувшаяся болезнь привели к творческому кризису. Пытаясь найти выход, он обращается к религиозной тематике. К этому времени относится цикл литографий «Искушение», где образ Христа является олицетворением света и добра. Эта борьба со злом присутствуют в пастели «Христос святого сердца» (ок. 1895). Фигура Христа окружена ярким золотым сиянием, контрастирующим с угольно-черными красками фона.

Интересны пейзажи Редона с красной лодкой. Лодка, корабль для христиан - символ человеческой души. В своих первых работах с этой тематикой художник делает акцент на людях, сидящих в лодке. В дальнейшем человеческие фигуры становятся меньше - теперь все свое внимание художник сосредоточивает на лодке и море («Красная лодка», 1900). Изображение морской стихии, которая привлекала многих художников-романтиков, у Редона наполняется символическим смыслом. Огромные волны, угрожающие маленькому суденышку, темные тучи, несущие грозу - это сама жизнь, полная трудностей и опасностей.

В живописи Редона 1900-1910-х гг. преобладают изображения женщин среди цветов и яркие, разнообразные букеты. В этих картинах художник придает реальному миру фантастические черты, и помогает ему в этом тонкое чувство цвета. В гамме звучных, праздничных оттенков исполнены полотна с образами женщин («Женщина среди цветов», 1909-1910; «Мечта», ок. 1912; «Профиль женщины в окне»), с экзотическими цветами, причудливыми раковинами и яркими бабочками («Раковина», 1912; «Красный сфинкс», 1910-1912; «Красная сфера», 1910, частное собрание).

Во многих картинах Редона появляются те же фантастические образы, что присутствовали в его графике («Зеленая смерть», 1905-1910; «Человек со змеей», ок. 1907).

Миф о Циклопе и Галатее превращается у художника в красочную, фантастическую картину: одноглазое чудовище кажется огромным на фоне лазурного неба, а крошечная фигурка нимфы теряется в ярком орнаменте пейзажа («Циклоп», 1898).

Большую роль в живописи Редона играет свет. Он наполняет краски, которые переливаются и играют, словно драгоценные камни. Цвета предметов далеки от естественных красок природы, для художника цвет - такой же символ, как и образы его черно-белой графики.

По примеру М. Дени и П. Серюзье в 1890-е гг. Редон начинает заниматься прикладным искусством. К этому времени относятся созданные им панно для замка Домси в Бургундии, картоны для ковров и декоративные ширмы.

Умер Редон в 1916 г. Его искусство, полное мистических образов и странных фантазий, оказало большое влияние на художников-сюрреалистов.

Поэтические грезы, мрачные и тягостные видения, страшные маски, жуткие скелеты в живописи символистов в XX в. привлекли внимание сюрреалистов, продолживших творческие искания своих предшественников.

В конце XIX в. различные художественные направления могли смешиваться между собой и взаимодействовать друг с другом. Постимпрессионисты и символисты нередко брали выразительные средства для своих произведений у модерна. От символизма идет и некоторая таинственность в живописи многих представителей постимпрессионизма.

Новость из мира искусства

В бывшем Королевском дворце Милана проходит уникальная выставка, посвященная символизму. В 24 залах Palazzo Reale представлены около 100 живописных работ, а также графика и скульптура под общим названием "Символизм: искусство в Европе от Прекрасной эпохи до Первой мировой войны". Экспонаты прибыли из разных музеев и частных коллекций Европы, в первую очередь итальянских - венецианского Ca" Pesaro, флорентийской галереи Uffizi, римского музея современного искусства. Причем шедевры итальянского символизма выставлены вместе с работами ключевых представителей течения из других стран. В залах звучат "Стихи зла" Бодлера и музыка настроения.
Многие из этих произведений были когда-то показаны на Венецианской биеннале. В итальянское искусство символизм пришёл именно через Венецию, куда в те годы приезжали такие великие представители этого течения, как Франц фон Штук, Фердинанд Ходлер и Густав Климт.
Многие работы перекликаются с картинами русских символистов, например Виктора Борисова-Мусатова и Михаила Врубеля. Их полотна также планируется показать в текущем году итальянским любителям искусства.
Символизмом принято называть одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х годах и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России, а также в Италии и других странах. Сам термин "символизм" впервые был введен в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в манифесте, опубликованном 18 сентября 1886 года, согласно которому "символизм полагает выражение недостижимых, иногда мистических, идей, образов вечности и красоты целью и содержанием своего творчества".

Бельгийский художник Фернан Кнопф - главный представитель бельгийского символизма. В своих живописных работах Кнопф отражал мистические фантазии. На картинах Кнопфа часто встречаются женские образы в виде сфинксов и химер, например в картине "Искусство, или нежность сфинкса".

Фернан Кнопфф. Искусство, или нежность сфинкса, 1896. Королевский музей изящных искусств, Брюссель

Итальянский художник Джулио Аристид Сарторио (1860-1932) - представитель академизма и символизма, был сторонником академической манеры с её аллегорическими образами и реалистичным стилем. С годами он выработал виртуозную манеру наложения красок на массы человеческих тел в различных позах, охваченных и погнутых сверхъестественной стихией.

Джулио Аристид Сарторио. Сирена (Зелёная бездна), 1893. Галерея современного искусства, Турин

Фрагмент

Джорджо Кинерк (1869-1948) - итальянский художник и скульптор.

Джорджо Кинерк. Весна жизни, 1902

Макс Клингер (1857-1920) - немецкий художник, график и скульптор, представитель символизма. Своей целью в искусстве Клингер видел объединение живописи, пластики и архитектуры. Написанные Клингером религиозные картины показывают влияние на мастера итальянского Ренессанса.

Макс Клингер. Тритон и нереида (Сирена), 1895. Палаццо Питти, Флоренция

Чешский художник Франтишек Купка (1871-1957) бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.

Франтишек Купка. Волна, 1902

Арнольд Бёклин (1827-1901) - швейцарский живописец, график, скульптор; один из выдающихся представителей символизма в европейском изобразительном искусстве XIX века и Дюссельдорфской художественной школы. "Остров мёртвых" - наиболее известная картина Бёклина. Всего Бёклин создал пять вариантов данной картины в период с 1880 по 1886 год.

Арнольд Бёклин. Остров мёртвых,1883. Старая национальная галерея, Берлин

Джованни Сегантини (1858-1899) - итальянский художник-пейзажист, писал картины в пуантилистской технике, работал в разные годы в стилях реализма и символизма. В поздних работах Сегантини, кроме символистских элементов, угадываются тенденции югендштиля. На гранитной плите над могилой художника высечено: «Искусство и любовь побеждают время».

Джованни Сегантини. Любовь - источник жизни, 1896. Галерея современного искусства, Милан

Итальянский художник и дизайнер Витторио Цеккин (1878-1947) создавал изделия из стекла и керамики, занимался дизайном мебели. Искусствоведы пишут, что Цеккин был явно под влиянием знаменитого представителя Сецессиона - австрийца Климта. Картина "Принцесса в саду" входит в серию трёх картин по мотивам сказок "Тысяча и одна ночь". Она стала самой известной работой художника. Панели были расположены на участке площадью около тридцати метров в длину и украшали узкий зал ресторана отеля.

Витторио Цеккин. Принцессы в саду, 1914. Галерея современного искусства, Венеция

Фердинанд Ходлер (1853-1918) - швейцарский художник, один из крупнейших представителей модерна. Ходлер разработал стиль, который назвал "параллелизм", характеризующийся симметричным расположением фигур в танцевальных или ритуальных позах. Аллегорическим композициям Ходлера (“Ночь”, “День”), произведениям на темы истории Швейцарии и Германии, пейзажам присущи монументальность и суровый лаконизм образного строя, напряженность динамичной композиции.

Фердинанд Ходлер. Избранный, 1903. Музей Карла Эрнста Остхауса, Хаген

Фердинанд Ходлер. Ночь, 1890. Художественный музей, Берн

Галилео Кини (1873-1956) - художнико, график, архитектор, дизайнер, керамист, один из основателей стиля модерн в Италии. С 1911-1914 он украшал Тронный зал короля Сиама в Бангкоке. Его успех подтвердился, когда ему предложили работу по живописи панелей Центрального зала XI Венецианской биеннале. Именно с этого момента Кини стали считать "официальным художником" из Венеции.

Галилео Кини. Весна классическая (Весна, что постоянно обновляется), 1914. Академия художеств, Монтекатини Терме

Художник Пюви де Шаванн (1824-1898) был одним из наиболее значительных французских символистов, оказавших впоследствии большое влияние на развитие французской живописи в стиле ар-нуво. В России большим поклонником художника был С.П. Дягилев, что сказалось и на развитии художественной группы "Мир искусства". В 1897 году В. Э. Борисов-Мусатов, покорённый искусством Пюви де Шаванна, пытался поступить к нему в ученики, но опоздал. Художник закрыл своё ателье.
Пюви де Шаванн лучшей своей работой считал полотно "Девушки у моря", представляющее собой живописную аллегория гармонии человека и природы. Здесь блестяще проявилось умение Пюви де Шаванна превратить любой незатейливый сюжет в символическую композицию. Все фигуры на полотне написаны с удивительным мастерством, а холодный колорит, основанный на игре серо-голубых тонов, придаёт сцене ощущение монументальной росписи.

Пюви де Шаванн. Девушки у моря,1879

Джеймс Энсор (1860-1949) - бельгийский художник, график и живописец. Художник испытал влияние импрессионизма. В 1883 году он отказался от импрессионистической манеры и бытовых сюжетов. Переход к символическим сюжетам вызвал непонимание современников. Талантливый одиночка запомнился своими эксцентричными, выразительными образами (черепа, скелеты, автопортреты, страдающий Христос), большинство из которых берёт начало в его детских воспоминаниях о товарах в сувенирной лавке родителей. Лучшие работы созданы между 1885 и 1891 годами. Оказал влияние на становление экспрессионизма; Энсора называют предтечей сюрреализма и современного фантастического искусства.

Джеймс Энсор. Скелеты греются, 1889

Один из лидеров символизма в европейском изобразительном искусстве рубежа XIX-XX веков немецкий живописец и скульптор Франц фон Штук (1863-1928) увлекался новыми художественными техниками и жанрами. В 1885 году Франц фон Штук посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой. Испытал влияние Арнольда Бёклина. Вместе с Вильгельмом Трюбнером основал в 1892 году Мюнхенский сецессион.

Франц фон Штук. Люцифер, 1890. Национальная галерея, София

Франц фон Штук.Тилла Дюрье в образе Цирцеи, 1913. Старая национальная галерея, Берлин

Жан Дельвиль (1867-1953) - бельгийский художник-символист, писатель, оккультист и теософ. Он стал первым человеком, нарушившим обет неразглашения и решившим открыто проповедовать «тайное знание» посвящённых. Длительное время творчество Дельвиля было забыто, но в наши дни ему возвращено внимание искусствоведов и интерес любителей живописи.

Жан Дельвиль. Смерть Орфея "Голова Орфея, плывущая по воде", 1893. Королевский музей изящных искусств Бельгии, Брюссель

Выставка “Il Simbolismo. Dalla Belle Époque alla Grande Guerra” продлится в миланском Palazzo Reale до 5 Июня 2016 года.

Живопись – довольно обширный раздел изобразительного искусства, который включает в себя много разных стилей. Один из таких стилей – символизм.

Понятие символизма и его черты в живописи

Символизм – это один из живописных стилей изобразительного искусства, который возник во Франции в конце 19 столетия. В основу символизма легли представления художников о мире, который мы не видим, но можем представить его, так как наш мир является смутным отражением того, настоящего мира, который для нас закрыт. В живописи символистов присутствуют символы, знаки, которые зрители пытаются расшифровать. Символисты были против простого, обыденного смысла в картинах. Художники-символисты вдохновлялись литературой, мифами и библейскими историями. Героев и предметы в своих картинах они наделяли мистическим смыслом. Символы в картинах использовались для передачи чувств, эмоций, мыслей. Наиболее популярными темами в символической живописи были страдания и смерть, предчувствие каких-то событий. Вообще живопись символистов можно легко угадать по выраженным чувствам на картине. Но чувства и эмоции были не положительные. В этом угадывалась идея донесения людям о том, что мир несовершенен.

Если говорить о выполнении, то изображение на картинах довольно обобщенное и простое, тона однотипные. И самое важное – загадочный сюжет, где каждая мелочь имеет определённое значение. Символизм не имел собственного художественного языка, как импрессионизм или пуантилизм, поэтому и данное направление в живописи не называлось отдельным стилем.

Яркие представители символизма в живописи

Альфред Кубин

Данный художник – символист, который был известен своей необычайно депрессивной, темной символикой. Его работы пропитаны тревогой, ужасом. Причиной таких работ были постоянные галлюцинации, которые его преследовали. Но его такая, довольно странная жизнь, и принесла ему славу. Наиболее известное полотно его руки – «Дух воды». В данной картине как раз и отражен его темный символизм. Бессилие людей перед такой природной стихией, как вода.

Михаил Врубель

Известный русский символист. Его символизм, как и вообще весь символизм России, был связан с христианством и религией. Михаил Врубель – ярчайший представитель символизма. В его картинах чувствуются противоречия между его внутренним миром и миром реальным. «Жемчужина» Врубеля яркий пример его символизма, а также это одна из последних его картин. На ней изображены две античные богини, которые наблюдают за миром из своего мира бессмертных.

Эдвард Мунк

Эдвард Мунк у многих ассоциируется с немало известной картиной «Крик». Мунк – норвежский художник. Гиперболизированные эмоции сумрачная реальность, контраст цветов – это символизм Эдварда Мунка. На его творчество повлияла его необычайно сложная жизнь. Картины написаны кистями, которые пропитаны страхом смерти и одиночества. Это подмечают даже те, кто не особо знаком с его творчеством. Ярким примером символизма является его картина «Расставание», которая повествует нам о мужчине, которому очень тяжело расстаться с прошлым.

На примере художников становится ещё более понятно, что из себя представляло данное течение. Хоть данный стиль и не имел собственного художественного языка, который, в принципе, был и не нужен. Смысл данного течения был в том, чтобы показать неведомое посредством картин.

Далее → Синопия

Одним из крупнейших направлений в искусстве на рубеже 19 и 20 века, зародившееся во Франции и в дальнейшем получившее широкое распространение во всем мире, является символизм (в переводе с греческого symbolon - символ, знак). Данное направление появилось во Франции в 70-е-80-е годы XIX века и достигло наивысшего пика развития на своей Родине, а также на территории Бельгии, России, Германии, Норвегии и Америки в конце XIX начале ХХ века. Символизм стал одним из самых распространенных и плодотворных направлений в искусстве того времени, его элементы замечаются практически на всем протяжении развития человеческой цивилизации (средневековая живопись и готические фрески пропитаны духом христианской символики, много элементов символизма улавливаются в картинах художников, писавших в эпоху романтизма).

Символизм, возникший на рубеже веков, выступал как новое направление в искусстве в противопоставлении к реализму и импрессионизму, он показывал свой протест и негативное отношение против развития буржуазных моралей и ценностей, выражал тоску и желание обрести духовную свободу, тонко чувствовал грядущие перемены и предсказывал неминуемые грядущие социальные и исторические потрясения как для каждого отдельного человека, так и для всего общества в целом.

Впервые термин «символизм» был использован в статье французского поэта Жана Мореаса под названием «Le Symbolisme», опубликованной в газете «Фигаро» в 1886 году. В данном манифесте провозглашались основные принципы нового направления, и утверждалось главенство символа как основного способа выражения тонкого душевного состояния поэта либо художника. Последователи символизма искали смысл земного существования в своих эмоциях, мечтах, в глубинах своего сознания и фантастических виденьях, там, где реалисты пытались изобразить окружающий их мир без прикрас, символисты, разочарованные пугающей их реальностью, окутывали все покровом тайны и мистицизма, использовали образы и символы.

Символизм в живописи

(Густав Климт "Поцелуй" )

В первую очередь данное направление получило широкое распространение в литературе, философии и театральном искусстве, а уже потом в изобразительном искусстве и музыке. Своей главной целью символисты считали выражение абсолютных истин и отображение реальной жизни посредством использования метафорических образов и аллегорий, имеющих символическое значение. Основными характерными чертами данного стиля можно назвать: новаторские стремления к экспериментам, мистицизм, таинственность, недосказанность и завуалированность.

(Одилон Редон "Будда в молодости" )

Художники-символисты конца XIX начала ХХ века, вдохновленные поэзией и литературой эпохи романтизма, различными легендами, сказаниями, мифологией и библейскими историями, создавали свои полотна, наполненные персонажами и предметами, имеющими глубокий мифический, мистический и эзотерический смысл. Наиболее популярными тематиками для художников данного направления были религия и оккультизм, передача различных чувств и эмоций, любовь, смерть, болезни и различные человеческие пороки. Картины символистов в первую очередь характеризуются глубоким философским смыслом и стремятся передать не реальный образ, а показать чувства и эмоции, переживания и настроения автора. Картины данного стиля становятся узнаваемыми и отличаются особой уникальностью не благодаря использованию каких-то особенных форм и цветов, а благодаря их содержанию, глубокому смыслу в них заключенному.

(Ян Матейко "Станчик" )

На лицах героев, изображенных на полотнах символистов, практически никогда не встречаются положительные эмоции, что обусловлено требованиями данного учения, донести до людей мысль о несовершенстве окружающего их мира. Задний фон полотен обычно размыт и изображен в спокойной однотипной цветовой гамме, изображение на первом плане - весьма обобщенное и простое, заметны четки контуры самых мельчайших элементов. Сюжетная линия картин полна загадочности и мистицизма, каждая деталь имеет свое определенное символическое значение, которое требует вдумчивого размышления и изучения. Такое полотно посылает мысли созерцающего её человека в далекое путешествие по глубинам его разума, требует наличия определенного кругозора и доверия к собственным чувствам и эмоциям.

Выдающиеся художники-символисты

(Гюстав Моро "Фаэтон" )

Французские последователи символизма в изобразительном искусстве отличаются тягой к декадентству и синтетизму, представлявшему смешение и объединение символизма и клуазонизма(разноцветные фигуры и плоскости, очерченные широким контуром). Яркими представителями данного направления считаются художники Гюстав Моро (Саломея, танцующая перед Иродом», «Эдип и Сфинкс», «Юноша и смерть», «Осень»), Поль Гоген («Видение после проповеди, или Борьба Иакова с ангелом»), Одилон Редон (серия литографий «В мире мечты», «Апокалипсис св. Иоанна», «Эдгару По», «Ночь», «Циклоп»), Эмиль Бернар («Улица Роз в Порт-Авене», «Испанский уличный музыкант и его семья»), Пюви де Шаванн («Сон», «Смерть св. Себастьяна», «Святая Камилла», «Размышление», «Джульетта»).

(Эдвард Мунк "Меланхолия" )

Одним из ярчайших представителей норвежского символизма в изобразительном искусстве считается художник и график Эдвард Мунк, его картины, отображающие его непростую судьбу, пропитаны мотивами страха, одиночества и смерти, его знаменитые картины «Крик», «Расставание», «Меланхолия».

(Ксавье Меллери "Часы. (Вечность и смерть)" )

Выдающиеся художники символисты Бельгии - Ксавье Меллери («Часы, или Вечность и Смерть», «Танец», «Бессмертие»), Джеймс Энсор («Христос, идущий по морю», «Скелеты и Пьеро», «Интрига», «Ужасные музыканты» «Смерть, избивающая человеческое стадо»), Жан Дельвиль - («Богочеловек», «Любовь душ»), в Англии - так называемое братство «прерафаэлитов» Уильям Хант («Светоч мира», «Тень смерти», «Нахождение Спасителя во храме»), Данте Россетти («Благовещение», «Лукреция Борджиа», «Прозерпина»), Джон Милле («Офелия», «Кимона и Ифигения»).

(Михаил Врубель "Демон сидящий" )

В России это Михаил Врубель («Демон сидящий», «Жемчужина»), Михаил Нестеров («Видение отроку Варфоломею», «Пустынник»), Святослав Рерих («Иаков и ангел», «Распятое человечество», «Вечная жизнь», «Вечный зов», «Подвиг»), Николай Гущин, Константин Сомов («Дама у пруда», «Людмила в саду у Черномора», «Дама в голубом», «Синяя птица»), Виктор Борисов-Мусатов («Автопортрет с сестрой», «Дафнис и Хлоя», «Водоем», «Гобелен», «Призрак»).

Символизм в архитектуре

(Символический смысл можно увидеть и в основе Исаакиевского собора )

В основе любого архитектурного сооружения лежит его символический смысл, который в него вложили его создатели. Пропорции очень многих зданий и сооружений (греческие и римские храмы, готические соборы, вавилонские зиккураты, египетские пирамиды) определяют символические значения их форм. Эти религиозные сооружения выступали в качестве земных проекций моделей космического пространства: огромное воздушное пространство, покоящееся на колоннах или пилонах, связывающее поверхность земли и «первичные воды». Основными символами в архитектуре выступают круг, символизирующий бесконечность, небо, движение или вознесение, солнце, (огромные барабаны куполов имеют в разрезе форму круга в Большом соборе Святого Мартина в Кельне, Исаакиевском соборе в Петербурге), треугольник - символ земли и её взаимодействия с небом, квадрат символизирует принцип статичности и завершенности.

Также особенным символическим значением обладают изображенные на фасадах зданий различные животные и птицы (львы, быки, единороги, двуглавые орлы). Это явление носит название зооморфизма: изображение священных животных как земного воплощения божественных существ, каждое животное имеет свой мифологический смысл и символическое значение.

Символизм – направление в живописи, которое обильно использует образность, шифры, отсылки и кодировки.

В соответствии с теорией искусств, символизм в живописи возник во второй половине XIX века и продолжил становление в начале XX века.

При этом еще в эпоху Средневековья было создано немало произведений искусства в жанре символизма - художники и иконописцы шифровали свои послания потомкам и загадывали загадки современникам.

Сам же термин “символизм” появился в 1886 году благодаря французскому поэту Жану Мореасу.

Присутствие символов в живописи заставляет зрителя активно думать, задействовать подсознание, интуицию с целью лучше понять и принять (или не принять) задумку автора полотна. Самым ярким примером символизма можно считать иконопись - язык написания икон очень своеобразен.

Символизму также приписывают и “правила чтения”: существуют целые эмблематические сборники для расшифровки изображений. Но точно так же, как в литературе бытует мнение, что “цитата - это протез для мысли”, подобным образом можно упрекнуть и “символические” справочники с правилами для чтения изображений.

Зачем же обращаться к чужим толкованиям? Каждый воспринимает изображение по-своему, в меру своего чувственного опыта, уровня развития и интеллекта. Язык всех видов искусства - универсален, каждый зритель, созерцая картину художника-символиста, обязательно увидит в ней что-то своё.

Интерпретировать картину художника-символиста - это очень увлекательное занятие. Не оглядываясь на чужое уже сформировавшееся мнение, прочитаем скрытое и переданное на языке символов послание автора самостоятельно: на примере картины мексиканской художницы Леоноры Каррингтон (1917-2011). Леонора Каррингтон - одна из немногих женщин художниц-сюрреалистов, которая писала картины в жанре, где в основном правят бал художники-мужчины.

Большой интерес для толкования представляет работа “The Inn of the Dawn Horse”, написанная в 1936-1939 г.г. [“Постоялый двор лошади Утренняя Заря” - англ.] - это автопортрет Леоноры Каррингтон. Полотно считается первой и главной работой художницы в жанре сюрреализма.

Итак, на первый взгляд на картине изображена девушка, безучастно сидящая одна в пустой комнате на стуле, оформленном в стиле Викторианской эпохи. При внимательном рассмотрении мы можем увидеть ножки стула и подлокотники в виде человеческих конечностей - рук и ног. Эпоха, когда в Англии правила королева Виктория характеризуется строгостью моральных устоев - сама королева подчинила свою жизнь долгу и семье и требовала этого от своих подданных.

Девушка одета в мужскую одежду - наездника, что придаёт ей мужские черты, и она выглядит как некое двуполое существо. На девушке абсолютной белизны брюки - белый цвет символизирует чистоту, непорочность. И именно потому, что это белые именно брюки как часть одежды - приходит мысль о том, что эта девушка всегда отказывала себе в сексуальных удовольствиях.

Её волосы беспорядочно растрепаны, а взгляд - безумен, и вся её поза выражает некую пассивность. Её правая рука застыла в жесте - руки, протянутой для поцелуя. На стене висит огромная лошадка-качалка - символ памяти о детских мечтах и надеждах, когда каждая девушка знает, что у неё в жизни получится всё. Судя по тому, что рядом с девушкой в комнате находится полосатая гиена - это её реальная неудавшаяся жизнь, которую художница и изобразила в виде неприятной, неопрятной гиены с такими же безумными глазами как у девушки.

Рядом с пессимистичностью настроя, чувством безысходности, так свойственным всем творящим в жанре символизма художникам, вселяет надежду изображение парящей с легкостью белой лошади - за окном комнаты, в которой находится девушка. Там, где-то там, вдали, впереди - есть, есть легкость, есть исполнение желаний, возможно достижение счастья, а также обретение женщиной свободы и независимости… Необходимо просто решиться на это!

Единственное, что вызывает заминку в толковании - это три маленьких шарика на животе у гиены - что это? Символ триединства с намёком на религию? Древние греки считали, что гиена способна менять свой пол. И именно нижняя часть тела животных - живот и ноги - это бессознательное. Возможно, три шарика означают три любви девушки - трое мужчин, которые ухаживали за ней, а она захотела сохранить свою чистоту, и вот к чему это привело - к тому, что она безумна… Справедливо напрашивается вывод, что абсолютная чистота и целомудрие для женщины - это противоестественно и нарушает все мыслимые законы природы…

Картина как бы говорит: посмотри, посмотри, что ты сделала со своей жизнью! - и таким образом, побуждает любую женщину-зрителя к действию: “Действуй! Всё только в твоих руках!”